9500 cineclube

SESSÃO 140

2012-01-23T11:59:00.000-01:00

ZEITGEIST: MOVING FORWARD (2011), de Peter Joseph

Os três temas centrais deste trabalho são Comportamento Humano, Economia Monetária e Ciências Aplicadas. Resumidamente, este trabalho cria um modelo de compreensão do actual paradigma social e do motivo pelo qual é fundamental sair do mesmo — juntamente com uma nova abordagem social, que apesar de radical, é ainda assim, prática. Abordagem esta que é baseada em conhecimento avançado e resolveria os actuais problemas sociais que afligem o mundo.

Uma das características únicas deste trabalho, que o distingue em termos de estilo da maioria dos documentários, é que tem uma temática dramática/cinematográfica paralela, com actores notáveis, que interpretam várias emoções e gestos relacionados com a mensagem geral do filme, ainda que de forma abstracta. Adicionalmente, este trabalho emprega vigorosamente inúmeros resumos visuais e animações 2D e 3D, mantendo como referência a orientação do documentário tradicional.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar. Entrada livre.

SESSÃO 139

2012-01-16T14:20:00.001-01:00

O ANJO EXTERMINADOR (1962), de Luis Buñuel

Depois de um jantar de cerimónia, um grupo de respeitáveis burgueses fica retido em casa de um deles. Por uma razão qualquer, só os criados conseguem atravessar a porta da sala de jantar.

Depressa se resignam ao enclausuramento e, pouco a pouco, vão-se submetendo a uma promiscuidade completamente estranha aos seus hábitos. O ambiente deteriora-se e a selvajaria aparece.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar. Entrada livre.

SESSÃO 131

2011-12-05T15:00:00.000-01:00

O CARRO FANTASMA (1921), de Victor Sjöström

É dia de ano novo. Três bêbados evocam uma lenda que diz que a última pessoa a morrer num ano, se foi um grande pecador, tornar-se-á durante o todo o ano seguinte o condutor do Carro da Morte, aquele que apanha as almas dos mortos... David Holm, um dos três bêbados, morre à última badalada da meia-noite...

Adaptação do romance de Selma Lagerlof, O CARRO FANTASMA é um dos filmes mais famosos (principalmente pelos efeitos especiais) de Victor Sjöström, incursão no fantástico sobre a lenda da "Carroça da Morte" e do seu condutor, o ser que morre na noite de São Silvestre.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

SESSÃO 130

2011-11-28T15:29:00.000-01:00

CORRE EMANUEL, CORRE (2011), de Emanuel Macedo e Bruno Correia + 6=0 HOMEOSTÉTICA (2009), de Bruno de Almeida

CORRE EMANUEL, CORRE é uma viagem de aproximação ao universo criativo de Maria Emanuel Albergaria. Baseado / inspirado na exposição / instalação "Uma Casa na Floresta", este filme convida à fruição sensorial de uma geometria de sentimentos.

Co-Produção do 9500 Cineclube que recebeu o Prémio do Público no Festival de Cinema dos Açores — Faial Fimes Fest 2011.

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Documentário sobre o movimento Homeostética, que surgiu em Lisboa nos anos 80 e foi constituído pelos artistas Fernando Brito, Ivo, Pedro Portugal, Pedro Proença, Manuel João Vieira e Xana.

Utilizando o humor como estratégia de demarcação crítica, a Homeostética manteve sempre uma posição marginal de fortes influências Dadaistas e desenvolveu uma intensa produção que resultou em exposições, textos, manifestos, filmes, concertos e outras performances colectivas. Discretos nas suas realizações e desprezando olimpicamente a sua própria glorificação, os homeostéticos perderam em visibilidade externa o que vieram a ganhar em modo de existência. Para eles o sentido da vida encontrava-se na criação artística e a criação artística, por sua vez, permitia-lhes inventar novas possibilidades de vida.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

SESSÃO 129

2011-11-21T13:32:00.001-01:00

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar

"A Morte de Carlos Gardel", a primeira adaptação cinematográfica de uma obra de António Lobo Antunes.

SINOPSE: A história de Nuno, um jovem toxicodependente em coma, a morrer num hospital. Durante os dois dias em que se encontra entre a vida e a morte, cada um dos familiares evoca junto a ele uma teia de recordações do passado, através das quais percebemos o presente de Nuno. Álvaro e Cláudia, os pais divorciados e as suas novas relações disfuncionais, Graça, a tia médica que nunca terá filhos porque vive com Cristiana, todos eles se sentem culpados pelo estado de Nuno, pelos desalentos da vida, mas também pelos sonhos que criaram. O pai, Álvaro, apaixonado por tango, recusa-se a aceitar a morte de Nuno, deixando-se levar numa espiral de delírio e confundindo um imitador com o seu cantor de tango argentino favorito, já desaparecido: Carlos Gardel.

SESSÃO 118

2011-11-14T18:16:00.000-01:00

A PAIXÃO DE JOANA D'ARC (1928), de Carl Theodor Dreyer

A camponesa Joana D’Arc é julgada herege e condenada à morte em Maio de 1431 por um tribunal religioso, depois de ter liderado os franceses na luta contra o exército invasor inglês, dizendo-se inspirada por Jesus e S. Miguel. Cedendo a sucessivas ameaças, Joana chega a assinar uma confissão de heresia que depois renega para salvar a sua alma, sendo morta na fogueira.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

SESSÃO 117

2011-11-07T16:46:00.000-01:00

FANTASIA LUSITANA (2010), de João Canijo

FANTASIA LUSITANA é um documentário que explora a relação do povo português com os estrangeiros refugiados da II Guerra Mundial, a forma como a sua estadia no nosso país influenciou (ou não) o nosso olhar sobre a guerra, e uma procura pela herança cultural deixada (ou não) pela sua passagem.

Uma leitura interpelante da história portuguesa do século XX construída inteiramente a partir de imagens de arquivo e da leitura de testemunhos desses refugiados nas vozes de Hanna Schygulla, Rudiger Vogler e Christian Patey.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

FESTA MUNDIAL DA ANIMAçÃO

2011-10-18T10:53:00.005Z

PROGRAMAÇÃO

PANORAMA DA ANIMAÇÃO PORTUGUESA

Uma selecção dos melhores filmes portugueses realizados entre 2010 – 2011.

MAIORES de 10 anos | Duração total: 87 MINUTOS

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24 de Outubro – 21h30

26 de Outubro – 10h30

27 de Outubro – 14h00

29 de Outubro – 10h00

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INDEPENDÊNCIA DE ESPÍRITO, Marta Monteiro

MY MUSIC, Tiago Albuquerque e João Braz

OS OLHOS DO FAROL, Pedro Serrazina

OS MILIONÁRIOS, Mário Gajo de Carvalho

QUEM É ESTE CHAPÉU, Joana Toste

SEM QUERER, João Fazenda e João Paulo Cotrim

O SAPATEIRO, David Doutel Vasco Sá

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PANORAMA INFANTIL

Uma sessão feita à medida dos mais pequenos, com histórias animadas, cheias de lirismo e fantasia.

DOS 6 E AOS 12 anos | Duração total: 52 MINUTOS

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25 de Outubro – 10h30

26 de Outubro – 14h00

29 de Outubro – 10h00

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FOXY & MEG de André Letria (Portugal)

FLUFFY MCLOUD de Conor Finnagan (Irlanda)

WHISTLELESS de Siri Melchior (Dinamarca)

REPITU de Jana Richtmeyer (Alemanha)

GINJAS de Zepe e Humberto Santana (Portugal)

LES BALLONS NE REVIENNENT JAMAIS, de Cecília Marreiros Marun (Bélgica)

SALTINHO A MADRID, de Luís da Matta Almeida (Portugal)

DODU de José Miguel Ribeiro (Portugal)

THE LOST THING de Andrew Ruhemann & Shaun Tan (Austrália)

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CARTOON D’OR 2011

Sessão com os nomeados para o cartoon d’or, o grande prémio europeu para animação.

Maiores de 14 anos | Duração total: 72 MINUTOS

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28 de Outubro – 10h30

28 de Outubro – 14h00

28 de Outubro – 21h30

29 de Outubro – 16h30

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MOBILE, Verena Fels

PATHS OF HATE, Damian Nenow

THE GRUFFALO, Jakob Schuh & Max Lang

PIVOT, André Bergs

THE LITTLE BOY AND THE BEAST, Johannes Weiland e Uwe Heidschötter

THE EXTERNAL WORLD, David O’Reilly

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BEST OF E-MAGICIENS 2010 - ANIMAÇÃO DIGITAL

filmes premiados no E-Magiciens, um festival orientado para a jovem criação artística. Todos os anos se anunciam ali os melhores filmes provenientes das melhores escolas de animação do mundo.
MAIORES de 12 anos | Duração total: 60 MINUTOS

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24 de Outubro – 14h00
25 de Outubro – 14h00
27 de Outubro – 10h30
29 de Outubro – 15h00

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PHYSIQUES, Renaud Jaillette
RAME DAMES, Etienne Guiol
LOOM, Ilija Brunck, Jan Bitzer, Csaba Letay
MOBILE, Verena Fels
CONDAMNÉ À VIE , Hannah Letaïf, Vincent Carretey
GRISE MINE, Rémi Vandenitte
SODRAS (FLOW), Dorottya Szabo
THE BOY WHO WANTED TO BE A LION, Alois Di Leo
MATTER FISHER, David Prosser
CHERNOKIDS, Matthieu Bernadat , Nils Boussuge , Florence Ciuccoli, Clément Deltour, Marion Petegnief
MATATORO, Raphaël Calamote, Mauro Carraro , Jérémy Pasquet
TELEGRAPHICS, Antoine Delacharlery, Lena Schneider, Léopold Parent, Thomas Thibault

SANGUE DO MEU SANGUE — O Dia Seguinte

2011-10-11T04:38:00.000Z

Amores condenados, ego sádico no espírito de pequenos criminosos, disparidades familiares e a "puta de vida" da classe média-baixa em toda a sua rotina e todo o seu sofrimento confluem neste drama que consolida João Canijo como um formidável inovador na observação de hábitos e costumes lusos e, sem dúvida, o melhor contador de histórias no feminino do panorama nacional.

Sem expor um argumento inteiramente original (há muito de, por exemplo, Pedro Almodóvar e Mike Leigh na narrativa de SANGUE DO MEU SANGUE) nem desejando formular qualquer tipo de denúncia económico-social, Canijo aposta no realismo de cenários e personagens inserido na artificialidade de minuciosos planos-sequência e num espantoso trabalho de sonoplastia que, muitas vezes, apresenta ao espectador três situações — naquilo que não resisto em apelidar de "tridimensionalidade de som" — a decorrer, em simultâneo, na mesma meia dúzia de metros quadrados.

Este é o grande ponto forte de SANGUE DO MEU SANGUE. A colocação de diversas acções principais num segundo plano visual e sonoro está longe de se afigurar como mero exercício de estilo; avisa-nos, isso sim, dos segredos escondidos à superfície desta realidade que o argumento se encarregará de revelar. E, logo descobertos, a mise-en-scène transfigura-se completamente: de súbito, multiplicam-se os close-ups e as cenas filmadas com câmara ao ombro até à precipitação dos dois dramas cimeiros de SANGUE DO MEU SANGUE, ou para a semi-tragédia ou na opção pela manutenção de uma qualidade de vida que, embora arredada do ideal, não se deseja pior.

SANGUE DO MEU SANGUE pertence, brilhante e irremediavelmente, às suas actrizes: impecáveis Rita Blanco (numa versão emancipada da sua Margarida Lopes na série televisiva CONTA-ME COMO FOI), Anabela Moreira e Cleia Almeida, sem temor do reconhecimento de culpa nem da humilhação perante um elenco masculino muito eficaz na composição de homens com "h" pequeno...

É o melhor filme português estreado em 2011 — e pelo contexto temporal, dificilmente será destronado de tal estatuto. Se é "obra-prima" ou "o filme que reconciliará o público português com o o seu Cinema", só o tempo o dirá. Mas, pessoalmente, espero que o veredicto seja positivo. Obrigatório.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

AURORA - O Dia Seguinte

2011-10-05T20:07:00.000Z

Se AURORA revela-se obra cinematográfica pioneira, intemporal e multitextual, tal deve-se à feliz união entre a criatividade expressionista de F.W. Murnau, os muitos dólares que Hollywood lhe consagrou (é pena que tal acepção, hoje em dia, fosse vista como irremediavelmente negativa) e a abundância de cativantes motivos para espectadores de qualquer geração ou contexto cultural.

A narrativa de AURORA pode ser resumida em poucas linhas. Um jovem agricultor (George O'Brien) é seduzido por uma mulher imoral (Margaret Livingston), a qual convence-o a assassinar a sua esposa (Janet Gaynor, vencedora de um Óscar por este desempenho), vender a quinta e mudar-se para a cidade. O homem, contudo, não é capaz de levar o plano até ao fim, acabando por redescobrir o amor que sente pela esposa após uma breve mas marcante estadia no movimentado e imprevisível quotidiano citadino.

O que parece simples no papel torna-se extraordinário no grande ecrã pela mestria de F.W. Murnau. Representando um dos trabalhos mais sofisticados e tecnicamente brilhantes da era do cinema mudo, os dois directores de fotografia, Charles Rosher (o fotógrafo predilecto de Mary Pickford) e Karl Strauss, construíram um mundo visual que parece preso à sua época e, ao mesmo tempo, intemporal, através de inúmeras e surpreendentes perspectivas forçadas, dramáticos chiaroscuros, composições em matte e montagens ópticas registadas on camera. Os cenários apresentam-se igualmente magníficos, combinando bucólicas paisagens campestres com um fantástico desenho de arquitectura expressionista.

Para um filme produzido há mais de oitenta anos, a elevada reputação crítica de AURORA nunca desvaneceu. Tal sucede não só pela universalidade dos seus temas — as dualidades entre campo/cidade, noite/dia, vício/virtude, vida/morte, etc. — mas, sobretudo, pelo modo como esses assuntos fundem-se num conto moral capaz de materializar estados de espírito (note-se como o dilema do Homem em assassinar a esposa transforma-o num grotesco exemplo de ser humano) e incutir no espectador um sentimento compatível ao de "alma renovada".

Impõe-se conhecer AURORA. Tanto pelo estatuto que ocupa na História do Cinema — e que não se cinge apenas ao período que antecedeu o sonoro — como pela ressonância emocional que, decerto, encontra nas audiências modernas. Num mundo que se apresenta tão racional, muitos de nós só desejariam regressar à "ingenuidade" de dois camponeses numa cidade como a que Murnau aqui encena.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 110

2011-10-04T15:12:00.004Z

SESSÕES 99 E 100

2011-09-19T18:16:00.000Z

MISTÉRIOS DE LISBOA (2010), de Raúl Ruiz

Uma condessa roída pelo ciúme e sedenta de vingança: um aristocrata libertino que se torna padre justiceiro transformando-o ora em cigano, ora em poeta romântico; um pirata sanguinário tornado próspero homem de negócios; uma vendedora de bacalhau que mata o amante e vende os encantos da própria filha, antes de se tornar santa, atravessam a história do séc. XIX e a procura de identidade do nosso personagem.

Uma história repleta de paixões, duelos, perigos mortais e negócios tenebrosos numa atribulada viagem por Portugal, França, Itália e Brasil.

Hoje e amanhã, pelas 21h30, por ocasião da 100ª sessão do 9500 Cineclube, no Cine Solmar.

CANINO - O Dia Seguinte

2011-09-13T05:06:00.000Z

Utópico, surreal e devastador de um modo pouco usual na Sétima Arte contemporânea, CANINO é o porta-estandarte daquilo que alguns já apelidam de Novo Cinema Grego (sobre o conceito e respectivas influências e efeitos, recomenda-se a leitura deste artigo do Guardian) e, para muitos cinéfilos, a experiência mais radical vivida numa sala de cinema nos últimos tempos.

A narrativa da protecção extrema de um casal aos seus filhos – duas raparigas e um rapaz, cujos nomes permanecerão desconhecidos até ao fim –, praticamente adultos mas infantilizados por uma singular educação doméstica que envolve definir "zombie" como sendo uma pequena flor amarela ou a explicação de que os gatos são os animais mais perigosos do planeta, revela-se material propício para variadas interpretações. Desde uma reinvenção da Alegoria da Caverna até à materialização cinematográfica da actual crise económica da Grécia, todas as assumpções mostram-se válidas e plenas de impressionante fundamento.

Contudo, permanecerá sempre a ideia de que algo ficou por compreender em CANINO – e o seu final ambíguo favorece tal sentimento. Da minha parte, e após a segunda visualização proporcionada pelo 9500 Cineclube, cresce a ideia de que Giorgios Lanthimos concebe uma fabulosa metáfora sobre a necessidade do livre-arbítrio no ser humano, cujas escolhas deverão ser sempre guiadas pela correcta distinção do bem e do mal. Tal capacidade é negada aos jovens protagonistas através da estranha experiência behaviorista dos seus pais, a qual desenrola-se cínica e vagarosamente perante os nossos olhos e conhecerá uma rebeldia quase ingénua por intermédio da filha mais velha com consequências mais imprevisíveis do que trágicas.

Nenhum espectador conseguirá libertar-se facilmente desta obscura e sofisticada "prisão" temática, potenciada por um formalismo composto de sedutores e estáticos enquadramentos e iluminação transparente e difusa que ajudam à criação de uma atmosfera etérea, infundida de humor negro e da ocasional sequência-choque mas que nunca se afasta dos seus elementos nominais.

Talvez este texto se apresente quase insondável junto de quem nunca viu CANINO, mas este é um daqueles objectos cinematográficos que merece a invenção de todo um novo vocabulário. Por isso, o melhor será mesmo ver para compreender.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 94

2011-08-22T13:55:00.000Z

::: CICLO HISTÓRIA DO CINEMA :::

FREAKS: PARADA DE MONSTROS (1932), de Tod Browning

(...)
A simples sinopse "não faz justiça a este filme alarmante, porém profundo, que é mesmo preciso ver para crer. Uma raridade (um mostro?) do cinema mundial, considerado por muitos como o filme mais notável na carreira de um realizador, cujos trabalhos incluem a versão original de Drácula (1931)"

in 1001 Filmes Para Ver Antes de Morrer.

SINOPSE: O filme mais bizarro da história do cinema? Provavelmente, e foi rodado no coração da indústria de Hollywood, nos anos 30. Chama-se FREAKS e freaks (autênticos) são a maioria dos seus actores. É uma história de paixões e vinganças, e de diferenças (umas mais inconciliáveis do que outras); mas é sobretudo uma das manifestações supremas da tortuosa visão do mundo de Tod Browning.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

SESSÃO 90

2011-07-27T16:50:00.001Z

::: SESSÃO ESPECIAL :::

A FELICIDADE (1934), de Aleksandr Medvedkin

[sessão acompanhada ao vivo pelo agrupamento de improvisação livre constituído por Ernesto Rodrigues (viola de arco), Gianna de Toni (contrabaixo), Luís Couto (Guitarra eléctrica), Ricardo Reis (percussão) e Biaggio Volandri (objectos amplificados).]

FELICIDADE é um conto tradicional russo estilizado acerca do pobre e preguiçoso camponês Khmyr, que sonha ser czar enquanto come a sua ração de toucinho e não faz nada — a sua ideia de felicidade — e da sua laboriosa mulher Anna que encontra a felicidade com a Revolução, trabalhando numa quinta colectiva.

Visualmente muito inventivo, o filme contém cenários desenhados a partir de gravuras populares russas, cenas cómicas e pormenores dos "sonhos" e "repastos reais" de Khmyr, a quem as autoridades apenas dão atenção quando este, abusado e enganado por padres, mercadores e cobradores de impostos, se tenta matar: "Se o camponês morre, quem alimentará a Rússia?"

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

SESSÃO 89

2011-07-25T14:06:00.000Z

::: DOCUMENTÁRIOS COM ARTE :::

ANTÓNIO SENA: A MÃO ESQUIVA (2009), de Jorge Silva Melo

António Sena expõe desde 1964. Pintor discreto e esquivo, é autor de uma das obras mais consistentes da arte portuguesa contemporânea.

Serralves realizou em 2003 uma extraordinária exposição-retrospectiva de António Sena.

Eu não o conhecia pessoalmente, nunca o vira; mas conhecia-lhe grande parte da obra discreta, intensa, original.

Sentados à mesma mesa na noite do jantar da inauguração surgiu a ideia de virmos a fazer um documentário sobre o seu trabalho: não um documentário exaustivo, histórico, retrospectivo, mas uma maneira de ver a transformação das formas no tempo.
E fomos filmando: entre 2003 e 2009, na preparação da exposição "Books=Cahiers" que inaugurou na Fundação Vieira da Silva em Julho de 2009.

O que me interessou foi filmar-lhe "a incessante mão", a mão que escrevinha, rasura, escreve, acrescenta, pinta e apaga ou pinta e inscreve.

Ou a mão que comenta, sublinha, se lembra.

A mão de Maria Filomena Molder que pensa.
Incessantemente.

Para "salvar a biblioteca do incêndio", na bela formulação de João Lima Pinharanda.

Jorge Silva Melo

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

SESSÃO 88

2011-07-19T16:23:00.000Z

::: FILMES CURTOS E LONGAS CONVERSAS — 3 CURTAS DE SAGUENAIL :::

. ANTES DE AMANHÃ (2001): Antes de Amanhã, tão-só o pequeno abismo de uma noite. Os corpos, sempre outros, buscam o lugar que lhes resta, depois de varridos pelo verbo asfixiante das imagens.
Talvez amanhã não seja apenas mais um dia.

. MAU DIA (2006): Num "café algures", a história parte de "uma mulher silenciosa" que se encontra "frente a um homem que não diz palavra, cujo rosto endurecido lhe devolve a mágoa como um espelho de carne". Neste ambiente, onde "só o céu derrama ininterruptas lágrimas", gira "um esboço de canção de amores desavindos e moribundos que não consegue encontrar a sua melodia". De repente, o homem "eclipsa-se" e a mulher "fica só, como porventura nunca deixou de estar".
Para esta curta-metragem, "produto da sua imortal doença", contou com "os seus cúmplices" João Alves, Ana Deus e Becas.

. PAS PERDU (2008): Noite cerrada. Numa cidade algures, uma mulher errante, agrilhoada a uma mala. Parece procurar alguma coisa. Parece andar fugida de alguém. Mas as paredes têm olhos e a noite tem bocas. E becos sem saída...

Com a presença de Saguenail e Regina Guimarães.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

BANKSY — PINTA A PAREDE! — O Dia Seguinte

2011-07-19T16:13:00.000Z

BANKSY — PINTA A PAREDE! apresenta-nos Thierry Guetta, um excêntrico, irrequieto e quase histriónico cidadão francês radicado em Los Angeles, que de cineasta amador e inepto transformou-se em nome de referência para o mercado da arte pop inspirada pela street art. A descrição dessa meteórica ascensão serve de propósito à primeira incursão do estilo artístico corrosivo de Banksy na Sétima Arte, num dinâmico documentário de ambígua veracidade e garantida satisfação, que nos permite aceder ao "coração" da arte urbana, forma artística caracterizada pela decoração das cidades com graffitis e stencils recheados de mensagens política e socialmente conscientes.

Na verdade, a questão em torno da autenticidade dos factos apresentados neste filme possui o mesmo efeito da aparição do elefante pintado de cor-de-rosa durante uma das exposições de Banksy nos EUA: o de "forçar" a nossa atenção para o que se encontra à superfície, menosprezando o cerne das reais intenções de BANKSY — PINTA A PAREDE! O «primeiro filme desastre sobre arte urbana» (tal como foi comercializado) revela-se poderoso no escrutínio gerado em torno da transformação da obra criativa em objecto com código de barras e de valor aleatoriamente determinado, assim como a atitude dos que gastam fortunas para adquirir essa suposta manifestação artística.

Mas se, de facto, o percurso de Thierry Guetta for totalmente inventado para auxiliar as intenções de Banksy — tão subversivas e mediáticas quanto um dos seus stencils —, então estaremos perante um dos mais bem conseguidos ardis audiovisuais (e artísticos?) deste princípio de século. A sua resolução pode não suscitar grande consideração mas, pelo poder de entretenimento aqui reunido, a mensagem perdurará na mente do espectador durante muito tempo.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 87

2011-07-18T15:12:00.000Z

::: DOCUMENTÁRIOS COM ARTE :::

BANKSY — PINTA A PAREDE, de Banksy

Um francês radicado em Los Angeles decide filmar o mundo secreto dos "vândalos" dos graffiti para um documentário. Ao longo de mais de oito anos acompanha diferentes artistas pelos Estados Unidos e Europa, até que conhece Banksy e o rumo do seu projecto é completamente alterado.

O resultado é um filme de Banksy sobre esta história e sobre a arte do graffiti e a street culture.

Banksy diz que "basicamente, é a história de como um homem se decidiu a filmar o ‘infilmável’, e falhou", mas o filme vai mais longe, ao reflectir sobre o próprio conceito de arte e a sua natureza, validade e limitações.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

SESSÃO 85

2011-07-13T17:30:00.000Z

::: DOCUMENTÁRIOS COM ARTE :::

LH: SABER DEMORA, de João Trabulo

Um olhar sobre a obra de Fernando Lanhas, mostrando o seu percurso biográfico e artístico do multiartista, dando a conhecer aspectos da sua obra tão rica quanto diversificada.

A película acompanha momentos de montagem de uma exposição do pintor na Casa de Serralves, ao mesmo tempo que mostra o lado desconcertante de um dos mais geniais artistas do nosso tempo.

Em parceria com o IAC (Instituto Açoriano de Cultura) e com o apoio Periferia Filmes.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

LIXO EXTRAORDINÁRIO — O Dia Seguinte

2011-07-12T19:48:00.000Z

Vik Muniz, no auge de fortuna e popularidade internacionais enquanto artista plástico, decide conhecer em primeira mão o Jardim Gramacho, um dos maiores aterros sanitários do mundo, localizado no Rio de Janeiro. Durante dois anos, trava conhecimento com sete "catadores" de material reciclável e inspira-se nas suas vidas para uma exposição fotográfica solidária.

Se as noções de arte socialmente consciente ou concepção de obras feitas de materiais inteiramente correlacionados com o assunto retratado não se revelam propriamente inusitadas, já a enumeração de case studies dessas realidades parece ser mais difícil. É por isso que LIXO EXTRAORDINÁRIO apresenta-se fresco e revolucionário na sua concretização, que aborda vários aspectos — do processo criativo de Muniz até à franca descrição da (inexistente?) condição social do "catador" — sem se concentrar exclusivamente em nenhum deles, logrando expor, com sucesso, a essência de cada um.

Humanista, emocional e, por vezes, arrebatador, a realizadora Lucy Walker assina um documentário estética e visualmente impressionante (destaque para algumas imagens recolhidas no Jardim Gramacho), infundido da imortal mensagem «o teu destino é por ti escrito» mas que, na parte final, não evita cair num certo dramatismo "fácil". Nada que afecte o poder das intenções de um dos melhores filmes documentais sobre arte produzidos em 2010.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 84

2011-07-11T18:01:00.000Z

::: SESSÃO ESPECIAL :::

LIXO EXTRAORDINÁRIO, de Lucy Walker

Filmado ao longo de dois anos (Agosto de 2007 a Maio de 2009), LIXO EXTRAORDINÁRIO acompanha o trabalho do artista plástico Vik Muniz em um dos maiores aterros sanitários do mundo: o Jardim Gramacho, na periferia do Rio de Janeiro. Lá, ele fotografa um grupo de catadores de materiais recicláveis, com o objectivo inicial de retratá-los.

No entanto, o trabalho com esses personagens revela a dignidade e o desespero que enfrentam quando sugeridos a reimaginar suas vidas fora daquele ambiente. A equipe tem acesso a todo o processo e, no final, revela o poder transformador da arte e da alquimia do espírito humano.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

SESSÃO 83

2011-07-10T19:25:00.000Z

::: SESSÃO ESPECIAL :::

SIGNIFICADO — A MÚSICA PORTUGUESA SE GOSTASSE DELA PRÓPRIA, de Tiago Pereira

Com os 15 anos d’Orfeu como mote, é criativamente que a Associação celebra a efeméride, com uma obra dupla:
"Contexto", o livro escrito por António Pires e que nos transporta até às origens de uma associação artística que abriu novos caminhos culturais a Águeda, e SIGNIFICADO — A MÚSICA PORTUGUESA SE GOSTASSE DELA PRÓPRIA, realizado por Tiago Pereira, um testemunho visual de contextualização contemporânea das tradições musicais que, mais que enaltecimento gratuito, antes faz o ponto de equilíbrio entre a história da própria associação e o retrato da sua posição, hoje, no meio cultural.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

ANA VIEIRA: E O QUE NÃO É VISTO — O Dia Seguinte

2011-07-06T18:05:00.000Z

A propósito da exposição Muros de Abrigo, que proponha uma retrospectiva da carreira de Ana Vieira, Jorge Silva Melo assinou este documentário, intrinsecamente televisivo, cuja realização nunca pretende soçobrar a visão da entrevistada, pois são as experiências proporcionadas pela sua obra que realmente dão vida ao filme.

As obsessões, aspirações e concretizações artísticas de Ana Vieira são, aqui, competentemente explicadas pela própria criadora, registada pela câmara de um modo quase tão fugidio quanto as suas instalações que "brincam" com sombras e espaços, permitindo assim a compreensão, por parte do espectador menos familiarizado, de um dos mais singulares percursos criativos portugueses da actualidade.

ANA VIEIRA: E O QUE NÃO É VISTO recusa, contudo, entrar na intimidade pessoal da criadora — a referência a esse facto não é sinónimo de defeito — ficando apenas manifesto a obra artística. Porque aquilo "que não é visto", muitas das vezes, suscita uma maior e satisfatória curiosidade...

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 82

2011-07-04T16:59:00.000Z

::: CICLO ARTES PLÁSTICAS :::

ANA VIEIRA: E O QUE NÃO É VISTO, de Jorge Silva Melo

É insólito o lugar de Ana Vieira na arte portuguesa: trabalhando o rasto, a sombra, a passagem da luz (ou dos corpos?), o reflexo, a sobreposição, a pegada, a memória ou a planificação do futuro, a sua arte raia o invisível. E questiona o lugar da arte - e do espectador, colocado sempre "de fora" ou com a consciência do "off".

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

VIAGEM A PORTUGAL — O Dia Seguinte

2011-06-28T04:48:00.000Z

O recurso a opções estéticas que procuram subverter as regras básicas do cinema de ficção advém, maioritariamente, da ânsia de um cineasta salientar temáticas e ideias que, à superfície, não estão imediatamente expostos. E tal vontade pode resultar numa mesma quota-parte de fascinante ou de perigoso para o sucesso artístico de um filme.

VIAGEM A PORTUGAL será, provavelmente, o exemplo mais recente que vi onde essa dicotomia, acima explanada mais a partir de uma visão pessoal do que de "cânones cinematográficos" (pois o que nos parece belo é sempre abstracto), manifesta-se de forma decisiva. Desde já, confesso-me admirador do magistral trabalho formal adoptado por Sérgio Tréfaut para a concepção da sua primeira longa-metragem de ficção: mise-en-scène dominada por um frio e implacável preto e branco que nem ao cinzento concede espaço, montagem elíptica, direcção artística minimalista e sonoplastia metafórica.

O problema está na pertinência desse exercício de estilo para a história que ilustra, a saber o sofrimento de uma ucraniana (Maria de Medeiros) que, pouco depois de aterrar em Faro vinda de Kiev de modo a reencontrar-se com o marido senegalês (Makena Diop), vê a sua entrada no país barrada pelo "sistema" português de Estrangeiros e Fronteiras, aqui encarnado por Isabel Ruth. Embora aceite o raciocínio — exposto por alguns dos meus amigos e colegas do 9500 Cineclube — de que um despojamento de imagem, tempo e espaço impossibilita o espectador de não se concentrar no conflito que se desenrola perante os nossos olhos, também é-me impossível deixar de salientar que esse mesmo aparato estético, apenas derivado de um "capricho" do realizador (ou «um jogo», como o próprio Tréfaut lhe chamou), revela-se totalmente inapropriado face ao drama estabelecido.

A narrativa, inspirada em factos verídicos, está tão infundida de artificialismos técnicos que a potencial denúncia de intolerância burocrática ou apelo a uma globalização mais humana não encontram qualquer ressonância emocional no espectador. Bem pelo contrário, ostenta o arriscado "condão" de distrair, desinteressar e até impacientar quem vê VIAGEM A PORTUGAL: o seu argumento invoca instantaneamente uma moral — para mais, os percursos e destinos finais do casal, cujas experiências reais o filme decalca, são divulgados por extenso no final — e teria muito a ganhar com uma abordagem formal realista/naturalista dos factos.

Cabe, portanto, a Maria de Medeiros e, sobretudo, Isabel Ruth, austera e imperturbável num papel que só ela conseguiria assumir com segurança e brilho, garantir o pouco "calor" proporcionado por VIAGEM A PORTUGAL, obra com pouca densidade narrativa para uma estética tão profunda ou (o que, se virmos bem, não é a mesma coisa) um magnífico exercício de estilo encaixado num argumento insípido.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 81

2011-06-27T14:50:00.000Z

::: ESTREIA :::

VIAGEM A PORTUGAL, de Sérgio Trefaut

VIAGEM A PORTUGAL é um filme político sobre os procedimentos de controle de estrangeiros nos aeroportos europeus e sobre o tratamento desumano, que é aceite como prática comum nos dias de hoje.

Maria, uma médica ucraniana, aterra no aeroporto de Faro, em Portugal, com um visto de turismo. Entre todos os passageiros do seu avião, Maria é a única a ser detida e interrogada pela polícia de estrangeiros e fronteiras. A situação transforma-se num pesadelo quando a polícia percebe que o homem que espera Maria no aeroporto é senegalês.

Imigração ilegal? Tráfico humano? Tudo é possível. VIAGEM A PORTUGAL é inspirado numa história real.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

UM CÃO ANDALUZ + A IDADE DO OURO — O Dia Seguinte

2011-06-22T00:49:00.000Z

80 anos depois da (muito) polémica estreia de UM CÃO ANDALUZ, em Paris, provoca genuíno deleite cinéfilo escutar, numa plateia contemporânea, murmúrios de horror àquela icónica sequência de um olho a ser rasgado no início do filme. O mesmo se aplica à audição de espontâneas e incrédulas gargalhadas soltadas perante o "blasfemo" desenlace de A IDADE DO OURO. Emoções básicas da Sétima Arte que Luis Buñuel explorou, até aos anos 70 do século passado, em mais de 30 películas, as quais tiveram a sua génese nestes dois bastiões do Cinema Surrealista, intemporais na capacidade de gerar uma óptima soirée cinematográfica.

Em argumentos profundamente influenciados pela concepção freudiana da associação livre de ideias (logo, qualquer um formula a opinião que melhor ou pior lhe convier), pouco adianta esboçar significados e interpretações acerca de UM CÃO ANDALUZ ou de A IDADE DO OURO. Afinal de contas, Buñuel chegou a afirmar que «nada, nestes filmes, simboliza coisa alguma; o único método para a sua investigação seria a psicanálise». Apenas se consegue identificar, com convicção, os temas que caracterizaram toda a filmografia de Buñuel: um feroz anti-clericalismo, a absoluta recusa ao politicamente correcto, a implacável crítica à luta de classes e, finalmente, uma estarrecedora visão da própria condição humana.

O poder destes dois filmes — e de toda a carreira de Luis Buñuel — não se encontra nos temas, mas sim nas imagens. São estas que causam sensação indelével no espectador e, portanto, só me resta deixar uma calorosa sugestão: se nunca viram UM CÃO ANDALUZ ou A IDADE DO OURO, façam-no o mais depressa possível. Na passada segunda-feira, o 9500 Cineclube proporcionou essa hipótese; se não usufruíram, "pouca sorte"...

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

CICLO ESPECIAL: MANUEL MOZOS — O Dia Seguinte

2011-06-20T16:37:00.000Z

A ficção de Manuel Mozos possui sempre uma atenção particular ao passado das personagens com o prenúncio de um futuro melhor (não é a esperança uma das promessas básicas da Sétima Arte?), através de histórias emotivas e melancólicas que nunca resvalam em excessos de pesar nem de lacrimejar — não obstante o facto de, pelo menos num dos filmes exibidos durante esta retrospectiva, haver quem não escondesse as lágrimas no final...

Totalmente humanistas, repletos de gente simples com trato simples e onde um certo sentido de "portugalidade" é quase palpável, ...QUANDO TROVEJA (1999) e XAVIER (1992) são um sério modelo para quem anseia fazer cinema no nosso país: ambos permitem o célere "apelo popular" mas, tanto pela sua composição formal como por apresentarem mecanismos narrativos a princípio "impenetráveis" (sobretudo, o realismo mágico de ...QUANDO TROVEJA), dificilmente se encaixam na lógica do filme dito comercial.

...QUANDO TROVEJA, a primeira longa-metragem concluída por Mozos, obra curiosa e modesta sobre a peculiar "dor de corno" de António (Miguel Guilherme), um lisboeta com apetência pela bebida, a partilhar residência com uma divorciada enferma e que ainda não recuperou de a ex-namorada o ter trocado por outro. Cenário desolador, sem dúvida, mas que não apela a fáceis e artificiais sentimentalismos, sobretudo pela presença do fantástico materializado nos dois seres habitantes de um bosque que, de vez em quando, provocam distúrbios na vida da ex-companheira de António. Uma história repleta de humor sobre corações partidos, solidões afogadas em imperiais, anjos da guarda com imperfeições físicas e um filme que merece, da parte dos espectadores portugueses, muita atenção.

XAVIER, película que conheceu uma longa gestação (12 anos!?) e que João Mário Grilo considerou estar «à descoberta de uma nova poética portuguesa», também aborda relações cortadas — neste caso, entre filho (Pedro Hestnes) e mãe (Isabel Ruth) — por circunstâncias mais fortes que os desejos das personagens e possui o brilho próprio de uma primeira obra onde persiste, indelevelmente, o amor profundo ao Cinema. Na sua simplicidade, revela-se emocional e cinematograficamente puro.

Todas as características (humanidade, inquietação, identidade portuguesa) acima enumeradas podem ser associadas ao documentário RUÍNAS (2009), terceiro filme exibido nesta retrospectiva. Trata-se de um olhar poético, saudosista e fragmentado sobre edificações que já conheceram melhores dias — casas abandonadas, sanatórios e hotéis desactivados, inclusivamente o "fantasma" do Parque Mayer —, confere-nos uma perspectiva diferente sobre o passado de Portugal, diferenciando-se de filmes semelhantes pela original narração que, através da leitura de correspondências, relatórios médicos ou receitas gastronómicas, invoca vivências, relações e costumes há muito perdidos. "Peca" por ter apenas sessenta minutos de duração...

Foram três dias de excelente Cinema Português — duvido que, a curto prazo, Ponta Delgada conheça oportunidade semelhante — e de reflexão acerca do trabalho de Manuel Mozos, um dos realizadores mais interessantes e, paradoxalmente, ignorados no panorama nacional.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 80

2011-06-20T15:24:00.000Z

::: CICLO HISTÓRIA DO CINEMA :::

UM CÃO ANDALUZ (1929) + A IDADE DO OURO (1930), de Luis Buñuel

. UM CÃO ANDALUZ

Inédito comercialmente em Portugal mas com múltiplas exibições em cineclubes e sessões culturais a partir dos anos 50. Foi sonorizado em 1960 por Les Grands Films Classiques, segundo as indicações de Buñuel, com fragmentos da ópera Tristão e Isolda de Richard Wagner e tangos argentinos. Foi restaurado em 1993, pelo Fundo Luis Buñuel, em Paris, e pela Kunst-und-Ausstellungshalle der Bundesrepublik, Alemanha.

SINOPSE: Um homem afia uma lâmina de barbear, antes de com ela cortar o olho de uma mulher jovem e impassível. Um ciclista cai. Uma mulher e um homem observam um andrógino e uma mão cortada, e depois acariciam-se. Passado um ano, chega outro homem que ordena ao primeiro que saia da cama. Tudo acaba numa praia onde a mulher encontra um terceiro homem.

. A IDADE DO OURO

O filme esteve proibido em Portugal até ao 25 de Abril. Foi apresentado pela primeira vez, na Cinemateca Portuguesa, a 16 de Junho de 1982, integrado no Ciclo “Filmes e Censura” no Cinema Quarteto. A obra foi restaurada em 1993 pelo Centro Georges Pompidou.

SINOPSE: Numa ilha deserta vivem escorpiões e bandidos, ao pé de esqueletos de bispos deixados ao sol. Um cortejo oficial desembarca na ilha, para celebrar o lançamento da primeira pedra da Roma imperial. A cerimónia é perturbada por um casal que se abraça e rola na lama. O homem é preso mas foge, reencontrando a amada numa festa. Enquanto isto acontece, no castelo de Selliny, Cristo parece satisfeito por participar nas comemorações dos Cento e Vinte Dias de Sodoma.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

ADRIANA — O Dia Seguinte

2011-06-17T19:34:00.002Z

Para quem se sente minimamente familiarizado com as regras inerentes à construção de uma história (seja ela romance ou argumento de cinema), depressa enumerará os mecanismos que a mesma terá de seguir com o intuito de uma satisfatória apreensão pelo seu leitor/espectador. E, na Sétima Arte, a comédia — pelas palavras da realizadora Margarida Gil, onde ADRIANA se encaixa — é, quase sem expecção, o género que maior carência tem de seguir esses "cânones".

Neste sentido, ADRIANA constitui-se como resposta e solução para o estigma da "deficitária" qualidade dos argumentos no cinema português. Existe aqui, sem dúvida, o desejo de traçar uma oposição entre a pureza/inocência do meio rural e os constantes perigos e ameaças de ambientes citadinos, mas Margarida Gil não segue propriamente esse caminho. Aliás, nunca se percebe qual o rumo que o filme pretende adoptar. E este carácter aleatório e descoordenado domina não só o argumento, como também os diálogos (que vão do competente ao enfadonhamente pretensiosos) e na construção de personagens (que, na sua maioria, não são mais do que caricaturas).

Do igualmente desequilibrado elenco, apenas Ana Moreira se destaca (confirmando tratar-se de um dos nomes proeminentes da nova geração de actores portugueses), esforçada em extravasar as limitações e incongruências (se Adriana é nativa de um local subjectivamente identificado como Ilha, para quê aquela "algaraviada" desconexa de sotaques?) da sua personagem.

No cômputo geral, ADRIANA possui um ritmo interessante de montagem e uma — sempre idónea — direcção de fotografia assinada por Rui Poças (com excelente recurso às fulgurantes paisagens açorianas). Portanto, não é pelos seus aspectos técnicos que o cinema português há-de ser menor em comparação com filmografias americanas ou europeias. O desinteresse popular existe sempre que um argumento desafiar (para não referir "desconsiderar" ou "desvirtuar"), pela negativa, a estrutura básica da sua composição. E ADRIANA não passa da mediania precisamente por esse facto.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

RETROSPECTIVA: MOSTRA DE CINEMA MOBY DICK

2011-06-17T05:59:00.001Z

Durante os oito dias da Mostra de Cinema Moby Dick, e pela sempre eficaz influência da Sétima Arte, Ponta Delgada reflectiu sobre o tema da imigração através de seis obras que, da ficção ao documentário, abriram alas ao debate, um melhor e maior conhecimento sobre o assunto e o usufruto de uma programação sem qualquer desequilíbrio de qualidade.

SEM NOME (2009, Cary Fukunaga), O VISITANTE (2007, Thomas McCarthy), ILHA DA COVA DA MOURA (2010, Rui Simões), BAB SEPTA (2008, Frederico Lobo e Pedro Pinho), NESTE MUNDO (2002, Michael Winterbottom) e DO OUTRO LADO (2007, Fatih Akin) representam visões díspares acerca de um dos comportamentos mais antigos da Humanidade: o desejo de uma vida melhor longe do nosso lugar de nascimento. Contudo, é impressionante como estes seis títulos partilham algumas particularidades inerentes ao fenómeno da imigração, os quais abaixo se pormenorizam:

. VIAGENS ARRISCADAS

O caminho para "melhores e venturosas paragens" é sempre longo, arriscado e de sucesso ambíguo. SEM NOME e NESTE MUNDO dedicam muito dos seus argumentos ao aspecto da viagem, salientando os perigos — alguns conscientes, outros inesperados — que milhares de pessoas escolhem percorrer para fugir a contextos sociais e económicos (nos filmes referidos, América Central e Paquistão respectivamente) desfavorecidos.

Mas é a visão da realidade que causa maior impressão no espectador. Neste sentido, o documentário BAB SEPTA — para mim, o melhor título exibido durante a Mostra — traça o drama humano daqueles que, enquanto escrevo estas palavras, procuram entrar, nomeadamente por mar e a todo o custo, na Europa a partir do Norte de África: o retrato de uma verdade pragmática que vai para além do simples registo do quotidiano do refugiado/deportado.

. LEI E ORDEM DUVIDOSAS

O estatuto e tratamento da figura do imigrante ilegal, sobretudo nuns Estados Unidos da América que ainda não se revelaram capazes de enfrentar o pós-11 de Setembro sem sentimentos de ira e/ou paranóia que afasta, ideológica e burocraticamente, indivíduos originários da África subsariana ou do Médio Oriente, constitui tema fulcral de O VISITANTE.

SEM NOME revela a permissividade, disfarçada de zelo e cumprimento administrativos, da maioria das autoridades fronteiriças da América Latina — e, na minha opinião, este foi o filme que levou mais longe (embora de forma implícita) a dualidade imigração/criminalidade, ao tornar protagonista o gang Mala Salvatrucha, que proliferou ao longo do centro e sul do continente americano exactamente pelo célere e descuidado sistema de repatriamento norte-americano...

Mas o panorama legal em torno dos fenómenos imigratórios não se resume apenas à deportação — BAB SEPTA revela a violência que os governos de países como Espanha ou Itália adoptaram (desde o arame farpado até ao recurso a armas de fogo) para impedir a entrada de imigrantes ilegais nas suas fronteiras.

. CHOQUE CULTURAL

O mundo encontra-se em irreversível globalização, a coexistência de diversas nacionalidades e culturas num mesmo perímetro inevitável. DO OUTRO LADO aprofunda, como nenhum outro título da Mostra Moby Dick, o distanciamento psicológico e geracional dos residentes num contexto totalmente discrepante às suas origens (a saber, a comunidade turca na Alemanha, o tema predilecto de Fatih Akin).

Este género de realidades encontra-se bem perto da nossa, tal como o documentário ILHA DA COVA DA MOURA prova ao analisar, de forma surpreendentemente lúdica e despretensiosa, como a comunidade cabo-verdiana de um dos maiores bairros da Amadora lida, diariamente, com a pobreza, estigmas sociais e preconceitos raciais.

Em suma, a imigração assume-se como tema cinematográfico perturbador, pessimista e intimidatório. A abordagem formal, no caso da ficção, revela-se maioritariamente semi-documental e possui evidente, mas necessário, poder de choque junto do espectador. E como se trata de um assunto que raramente é prioritário para decisores políticos, o Cinema — e, por associação directa, a Mostra de Cinema Moby Dick, acabada de perfazer a sua segunda edição — demonstra-se feliz no "acordar" de consciências sobre a imigração.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 72

2011-06-06T12:51:00.000Z

::: CICLO SAUDADES DA TERRA :::

ADRIANA, de Margarida Gil

Numa ilha remota onde se instalou o luto um homem decreta que nunca mais haverá sexo nem filhos...

A ilha vai ficando deserta e ele decide enviar a sua filha, Adriana, para o continente "constituir família por métodos naturais". Acompanharemos as aventuras de Adriana à procura de um homem que a faça procriar um filho e assim garantir a descendência na ilha.

Sobre SEM NOME

2011-06-04T06:07:00.000Z

Filme exibido hoje, pelas 17h no Cine Solmar, pelo 9500 Cineclube:

MOBY DICK 2011

2011-06-03T12:47:00.002Z

DURANTE O FIM — O Dia Seguinte

2011-05-31T02:27:00.000Z

Documentário introspectivo, existencialista e hipnótico, DURANTE O FIM acompanha os ideais criativos de Rui Chafes num estilo quase experimental que mistura a solidão do artista na sua oficina, soldando e perfurando aço, com a poesia de Heinrich von Klein e trechos do ANDREI RUBLEV de Tarkovsky para nos colocar na mente de um indivíduo em pleno processo criativo.

O peculiar formalismo de João Trabulo é, sem dúvida, o principal motivo para lhe dedicarmos uma hora e dez minutos do nosso tempo. Aparentemente direccionado para quem está familiarizado com a obra do escultor visado, poderá tornar-se quase impenetrável para os desconhecedores, mas a sua sensibilidade cinematográfica, irresistível no modo como utiliza a luz e distorce o som, oferece ao espectador o desejo de permanecer até ao final e, talvez, abrir caminho à descoberta de como se expressa Rui Chafes... o qual demonstra-se melhor criador do que narrador de documentários: a sua voz-off, monocórdica e com raciocínio pejado de paradoxos, constitui um ponto mais negativo do que a já referida ausência de contextualização sobre o seu percurso.

Um projecto de fragmentado resultado, mas que desperta a atenção para o potencial de João Trabulo.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 69

2011-05-30T16:11:00.000Z

::: CICLO ARTES PLÁSTICAS :::

DURANTE O FIM, de João Trabulo

DURANTE O FIM é uma viagem ao universo artístico, interior e secreto do escultor Rui Chafes.

No atelier, território de eleição do artista, percebe-se como tudo acontece: do barulho das máquinas ao silêncio que envolve a concepção e idealização de cada escultura, surgem sons, imagens e vozes de outros tempos.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

A OITAVA COR DO ARCO-ÍRIS — O Dia Seguinte

2011-05-24T11:37:00.000Z

No panorama contemporâneo da produção cinematográfica brasileira, onde predomina a denúncia à miséria e violência urbanas (CIDADE DE DEUS, 2002), retratos acusatórios da corrupção que grassa na política, lei e comunicação social (TROPA DE ELITE, 2007) ou biografias sobre personalidades da História recente do Brasil (LULA, O FILHO DO BRASIL, 2009), surpreende pela positiva encontrar um título que invoque a vivência da humanidade rural, estimule a sensibilidade do espectador e constitua exercício absolutamente neo-realista sem pretensões que não seja as de explanar, narrativa e visualmente, uma história totalmente simples.

A OITAVA COR DO ARCO-ÍRIS revela-se uma descoberta, apenas e sobretudo, por fugir à "conjuntura" acima descrita. O argumento pode estar pejado de lugares-comuns, a fotografia é quase banal, a resolução da história ocorre de forma extemporânea e existem situações que poderíamos jurar já ter visto em dezenas de outras obras, mas excede em desafiar o espectador a encontrar o que não está imediatamente à superfície.

Elaborando um óbvio contraste entre a cidade e o campo, a viagem de Joãozinho a Cuiabá, capital do estado de Mato Grosso, para vender a cabrita de estimação e, com esse dinheiro, adquirir os medicamentos que aliviem a enfermidade da sua avó, mais não é do que um pretexto para Amauri Tangará sublinhar a ingenuidade e emocionalidade que ainda determinam a existência de muitos indivíduos num planeta demasiado racional e globalizado.

Apesar do aparato pouco sofisticado, A OITAVA COR DO ARCO-ÍRIS destaca-se pela sua banda sonora apelativa e pela interessante mise-en-scène das sequências situadas em Cuiabá, nomeadamente o facto de Joãozinho ser quase exclusivamente filmado à distância, ou em expressivos picados e contra-picados, numa evidente vontade de salientar o deslocamento do protagonista face à urbe que o envolve.

Por vezes, menos é mais. E, nesse particular, é impossível negar o charme muito próprio de A OITAVA COR DO ARCO-ÍRIS, merecedor de atento visionamento.

[As duas curtas-metragens, também de Amauri Tangará e ontem exibidas pelo 9500 Cineclube, reforçam alguns dos elementos presentes em A OITAVA COR DO ARCO-ÍRIS. HORIZONTEM e, sobretudo, POBRE É QUEM NÃO TEM JIPE são peças de imenso humanismo devidamente acompanhas pela fascinante paisagem natural do Mato Grosso.]

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 68

2011-05-23T17:33:00.000Z

::: 3 FILMES DE AMAURI TANGARÁ :::

POBRE É QUEM NÃO TEM JIPE
(Brasil, Ficção, 1999, 22’)

Realização: Amauri Tangará

Interpretação: Diego Borges, Danilo Pereira, Alda Regina
Elenco: Diego Borges, Danilo Pereira, Luana Feltrin, Alana Moraes
Fotografia: Mauro Pinheiro
Montagem: Flávio Zettel
Música: Alcemar Mattos e Júlio Cezar.

SINOPSE:
A história de um menino que sonhava em conhecer o outro lado dos horizontes.
E descobre o significado de "pobre"...

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HORIZONTEM
(Brasil, Ficção, 2008, 15’)

Realização: Amauri Tangará

Interpretação: Vera Capilé, Júlio Carcará, Tuka Calgaro, Rafael Mendes
Fotografia: João Carlos Bertoli
Som: Yuri Kopcak
Montagem: Bruno Correia
Música: João Pimentel

SINOPSE:
O Futuro manda notícias.

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A OITAVA COR DO ARCO-ÍRIS
(Brasil, Ficção, 2004, 80’)

Realização: Amauri Tangará

Interpretação: Diego Borges, Izabel Serra (Belinha), Waldir Bertúlio e Renan Dimuriez
Fotografia: André Luis Cunha
Montagem: Flávio Zettel
Música: Fabrício Carvalho

SINOPSE:
Na pequena vila de Nossa Senhora da Guia, vive o menino Joãzinho, criado pela avó dona Didinha, que o adotou depois que seu pai desapareceu num garimpo e sua mãe foi parar num bordel. Muito doente, a velha Didinha sustenta o neto com a mísera aposentadoria que recebe. Uma noite Joãzinho desperta com as orações de sua avó pedindo a Deus que a leve embora, pois não suporta mais as dores que sente e a falta de condições para comprar remédios que a aliviem. Ao ouvir isso, Joãzinho toma uma importante decisão: vender "mocinha", sua cabrita, o único animal de estimação que possuía e com o dinheiro comprar os remédios que sua avó necessita.
Clandestinamente leva a cabrita para a capital, sem conhecer nada nem ninguém passa por todo tipo de aventuras e descobre o lado duro de uma cidade grande, que contrasta com sua ingenuidade de menino nascido e criado no bucolismo saudável de uma pequena vila do rio acima.

CEREJEIRAS EM FLOR — O Dia Seguinte

2011-05-17T05:34:00.000Z

Quando o quarto de hora final de um filme o resgata, visual e emocionalmente, da mediania, só nos resta questionar porque motivo Doris Dörrie (com todos os "trunfos" em seu poder) não transformou este CEREJEIRAS EM FLOR, terna história sobre remorso e compreensão intercultural, em algo de surpreendente e inesquecível.

No seu centro, temos um casal alemão e provinciano de terceira idade que enfrenta a morte, um em perspectiva, outro materialmente, procurando reatar com os filhos entretanto distanciados afectiva e geograficamente. E é neste simples conceito, o qual não pormenorizarei em prol dos que nunca viram o filme, que Dörrie não evita uma série de lugares comuns narrativos — a doença incurável mas livre de sintomas que tão frequentemente afectam personagens de filmes — e a resolução abreviada de situações — sobretudo, o drama e choque de gerações do argumento — que o espectador menos indulgente poderá considerar difícil de "encaixar".

Do mesmo modo, os seus temas e metáforas mostram-se longe de serem subtis, e os ritmos emocionais não ficariam deslocados num drama televisivo (não por acaso, o background de Doris Dörrie). Existem demasiadas explicações: podemos compreender a beleza transitória da flor de cerejeira sem que nos falem sobre o seu estatuto de «símbolo de efemeridade», e as moscas que servem função similar não necessitavam de esvoaçar constantemente.

Todavia, no que lhe falta em subtileza, Dörrie compensa com uma nítida e bem conseguida preocupação visual, nomeadamente quando a acção de CEREJEIRAS EM FLOR transita para o Japão. É neste cenário, onde existem mais contrastes culturais por metro quadrado do que em qualquer outro lugar no mundo, que o filme consegue mover o espectador sem parecer forçado nem demasiado melodramático. Uma particular sequência, com o Monte Fuji em pano de fundo, representa um dos clímaxes românticos mais inesperados e comovedores que pude observar recentemente.

Apesar dos seus elementos menos perfeitos, CEREJEIRAS EM FLOR merece atenta visualização.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflecte apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 67

2011-05-16T17:41:00.000Z

::: CICLO CINEMA NO FEMININO :::

CEREJEIRAS EM FLOR, de Doris Dörrie

A história de uma amor abnegado e de uma viagem poética até ao fundo do ser: só Trudi sabe que o marido, Rudi, sofre de cancro em fase terminal. Quando o médico propõe que os dois façam uma derradeira viagem juntos, Trudi convence o marido a irem visitar os filhos e os netos em Berlim. Mas estes estão demasiado atarefados com as suas próprias vidas para se ocuparem com eles.

Depois de assistirem a uma representação de um dançarino de butoh, Trudi e Rudi viajam para o Mar Báltico, onde se instalam num hotel. Aí, Trudi morre subitamente. Rudi fica completamente desorientado, sem saber o que fazer à sua vida. Até que decide viajar para o Japão, para se encontrar com Karl, o seu filho mais novo.

A realizadora alemã Doris Dörrie não poupou esforços para que CEREJEIRAS EM FLOR se tornasse um filme belo, delicado e, ao mesmo tempo, impactante.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

A BOCETA DE PANDORA — O Dia Seguinte

2011-05-10T10:58:00.000Z

Um autêntico «filme freudiano» — se tal género existisse, este título situar-se-ia entre os exemplos obrigatórios para a sua compreensão —, G.W. Pabst regista o percurso de Lulu (Louise Brooks), um ser absolutamente sexual que oscila entre o passivo objecto de desejo e a activa sedutora com plena confiança dos seus instintos, para ilustrar os conceitos da Psicanálise que nos finais dos anos 20, sobretudo através do Surrealismo, começaram a dominar e influenciar variadas manifestações artísticas (no Cinema, um ano antes, Man Ray realizara L’ÉTOILE DE MER e, em 1929, Buñuel escandalizava Paris com UN CHIEN ANDALOU).

Contextos históricos e artísticos à parte, A BOCETA DE PANDORA disseca as inconsciências de amor, luxúria, traição, inveja e homicídio, centrando-se, de forma consciente, nos podres e baixios das relações humanas. Para tal, temos a referida protagonista como catalisadora da libido masculina em todas as suas expressões: Ludwig Schön, o ilustre editor de um jornal, deixa-se seduzir e arruinar, social e fisicamente, por Lulu; o filho dele, Alwa, não é capaz de esconder o amor que sente pela antiga amante do pai e foge com ela para também enfrentar um destino infeliz; a Condessa Geschwitz — segundo alguns autores, "a primeira personagem assumidamente lésbica" da Sétima Arte — dança apaixonadamente com Lulu e ignora a sua auto-estima para lhe demonstrar a sua atracção; e até Jack, O Estripador hesitará na sua presença, antes de agarrar na faca e cometer o género de crimes pelos quais se notabilizou.

Em A BOCETA DE PANDORA, é clara a associação entre sexo e morte, seja ela literal ou metafórica, que o argumento subentende. Este facto, para além de (novamente) invocar os escritos de Freud, justifica o apelo ao mito grego da caixa que, depois de aberta, soltaria todos os males do mundo para caracterizar a protagonista, pois é devido ao seu comportamento "afoito" e ambíguo que a tragédia toma conta do filme. Mas, na História do Cinema, estamos perante uma femme fatale muito peculiar: embora exiba todos os traços dessa personagem-tipo, Lulu é-o mais por acidente do que por determinação, circunstância que levará não só à devastação daqueles que a rodeiam como também à sua própria morte.

[Existem aqui outras e inúmeras personificações de conceitos psicanalíticos que, por si só, dariam um texto muito exaustivo. Contudo, não resisto a realçar aquele casino de "devassos costumes" no interior mais recôndito do barco onde Lulu e Alwa se refugiam, como uma genial analogia ao id ou, segundo Freud, a zona da psique humana onde a moral e as regras da sociedade não encontram lugar e situado nas "profundezas" do cérebro.]

O mérito dessa caracterização tem o nome de Louise Brooks, actriz americana sobre a qual Henri Langlois, o histórico director da Cinemateca Francesa, escreveu que "ninguém poderá esquecê-la depois de a ver" e que G.W. Pabst resgatou de uma condenada carreira nos Estados Unidos. Com o seu aspecto de coquette infantil mas munida de sorriso irresistivelmente lascivo e método de interpretação extremamente actual, Brooks continua a deixar marca indelével nos espectadores, sobrepondo-se aos dominantes chiaroscuro e expressionismo formal que A BOCETA DE PANDORA, enquanto produção alemã dos anos 20, inevitavelmente exibe.

Na sua data de estreia, foi completamente arrasado pela crítica. Hoje, trata-se de um clássico obrigatório, com um ícone do cinema mundial à frente do elenco, e digno de acolhimento público.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflete apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 66

2011-05-09T18:45:00.000Z

::: CICLO HISTÓRIA DO CINEMA :::

A BOCETA DE PANDORA, de G. W. Pabst

A bela e sensual Lulu (Louise Brooks) é amante de Peter Schön (Fritz Kortner), um viúvo rico. Quando este lhe anuncia que se vai casar com uma mulher respeitável, Lulu mantém-se imperturbável, mas começa desde logo a fazer planos para destruir esse noivado. Lulu acaba por conseguir o que quer, mas o casamento com Schön abre caminho para uma descida aos infernos, não havendo, para um como para outro, qualquer hipótese de redenção.

A BOCETA DE PANDORA é uma das obras-primas da Sétima Arte, tendo imortalizado a actriz Louise Brooks e o realizador austríaco Georg Willhelm Pabst como estrelas maiores do cinema mudo.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

A CIDADE DOS MORTOS — O Dia Seguinte

2011-05-03T12:11:00.000Z

Não é difícil apelidar o registo filmado do quotidiano de uma “cidade” que se formou no interior de uma necrópole do Cairo como irresistível. E o realizador não esconde o seu fascínio por este microcosmos onde, como em qualquer urbe dita vulgar, as pessoas amam, rezam, consomem, aspiram, discutem, brincam e, numa circunstância inevitavelmente derivada do seu contexto geográfico, planeiam a construção do próprio túmulo.

Esse mesmo fascínio é partilhado com o espectador pelos testemunhos e convivência diária dos habitantes da Cidade dos Mortos captados pela câmara de Sérgio Tréfaut, através da exibição de uma série de situações que oscilam entre o enternecimento, o inusitado e o burlesco — o teatro de fantoches que “chega à cidade” ou as tácticas de engate engendradas por três jovens egípcios constituem os melhores desses momentos — sem a ambição de observação social nem de traçar perfis desses indivíduos.

Contudo, na brevidade dos seus 60 minutos de metragem, permanece a impressão de existir ainda muito por contar sobre um local que se estende por mais de dez quilómetros e ao qual Tréfaut dedicou cinco anos de trabalho. A CIDADE DOS MORTOS acicata a nossa curiosidade, mas não se revela como filme de promoção turística. Deseja-se apreciar o que mais esconde esta peculiar localidade, quantas outras histórias pululam entre os que optaram, ou se viram forçados, a experimentar a vida lado a lado com os túmulos de desconhecidos.

Apesar desse défice de contextualização e detalhe, encoraja-se a sua visualização. É certo que ninguém sairá desiludido.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflete apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 65

2011-05-02T16:10:00.000Z

::: ESTREIA :::

A CIDADE DOS MORTOS, de Sérgio Trefaut

A Cidade dos Mortos, no Cairo, é a maior necrópole do mundo.
Um milhão de pessoas vivem dentro do cemitério — em casas tumulares ou nos edifícios que cresceram em redor. Dentro do cemitério há de tudo: padarias, cafés, escolas para as crianças, teatros de fantoches...

A Cidade dos Mortos estende-se por mais de dez quilómetros ao longo de uma auto-estrada, mas não deixa de ser uma aldeia, com mães à caça de um bom partido para as filhas, rapazes a correr atrás das raparigas, disputas entre vizinhos.

Preparado e rodado ao longo de cinco anos (2004-2009), este filme procura dar a ver a alma invisível do cemitério.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar.

48 — O Dia Seguinte

2011-04-26T13:52:00.000Z

Durante 96 minutos, as fotografias de quem foi detido, interrogado, torturado, humilhado e marcado para toda a vida pela PIDE durante 48 anos de ditadura salazarista (daí o título do filme), dominadas por expressões de ansiedade e sofrimento em rostos amedrontados e enrugados, ocupam o ecrã acompanhados da descrição dos próprios retratados, em trémulos voz-off, que invocam memórias traumáticas do que viveram entre as instalações da Rua António Maria Cardoso e a prisão de Caxias.

Se a composição formal de 48 parece escassa em cinema, é porque a sua visualização proporciona uma experiência mais psicológica do que sensorial. A associação das vozes às fotografias estimula não só a nossa capacidade de interpretação pessoal como também um certo poder de sugestão (embora alguns dos testemunhos sejam inegavelmente explícitos) para a compreensão das emoções de cada entrevistado. Todavia, se o Cinema é, por excelência, a arte de envolver o espectador, então 48 será das obras portuguesas mais cinematográficas de 2011...

Espera-se realmente que seja, igualmente, um filme que acorde consciências relativamente ao nosso passado recente, do qual este ainda parece ser assunto desconfortável para a sociedade portuguesa contemporânea. Se a pormenorização das actividades levadas a cabo pela PIDE continua a ser sonegada nas aulas de História, Susana de Sousa Dias acaba de simplificar a tarefa com um registo documental sincero e inequívoco acerca dessa intenção.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflete apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 64

2011-04-25T13:44:00.000Z

::: ESTREIA :::

48, de Susana de Sousa Dias

O que pode uma fotografia de um rosto revelar sobre um sistema político?
O que pode uma imagem tirada há mais de 35 anos dizer sobre a nossa actualidade?
Partindo de um núcleo de fotografias de cadastro de prisioneiros políticos da ditadura portuguesa (1926-1974), 48 procura mostrar os mecanismos através dos quais um sistema autoritário se tentou auto-perpetuar.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar

12 HOMENS EM FÚRIA — O Dia Seguinte

2011-04-19T18:11:00.000Z

Foi com enorme prazer que revi, ontem à noite, 12 HOMENS EM FÚRIA, o primeiro filme de Sidney Lumet e uma excelente introdução para o estilo, temático e estético, que o cineasta norte-americano desenvolveria durante meio século de carreira: magistral direcção de actores, enérgica narrativa e realismo social. Três aspectos devidamente explorados em 12 HOMENS EM FÚRIA, um drama de tribunal que não apresenta uma única sequência na sala de audiências (excepção feita para a breve introdução). Ao invés, centra a sua acção numa pequena sala para jurados de um tribunal de Nova Iorque, durante o "dia mais quente do ano", onde doze homens decidirão o destino de um jovem hispano-americano acusado de ter assassinado o pai.

Desde cedo, existe no grupo a sensação de que o veredicto unânime de culpado, e respectiva sentença de morte, será alcançado sem demoras nem controvérsias. No entanto, será o jurado n.º 8 (Henry Fonda) a levantar as suas objecções a tal desfecho, obrigando à revisão dos testemunhos e provas levadas a tribunal contra o réu e demonstrando que, afinal de contas, existe uma dúvida razoável (ou reasonable doubt, um princípio fundamental para a maioria dos sistemas legais) em torno do caso. «Estamos a falar de uma vida humana», afirma a personagem de Fonda. «Não podemos decidir isso em cinco minutos. E se estivermos errados?» Será este o ponto de partida para a ruptura entre o júri, onde cada um exporá preconceitos e fraquezas pessoais.

Segundo qualquer definição, estamos perante um filme "palavroso" em que a acção decorre a um nível mais intelectual do que de situações. É neste aspecto que Lumet revela-se um cineasta mais virtuoso do que se poderia esperar para o género de argumento apresentado. 12 HOMENS EM FÚRIA patenteia uma fenomenal direcção de fotografia que, com o desenrolar dos factos, torna-se mais expressionista e artificial.

Pormenores como a posição de câmara (a início, num ponto mais elevado em relação ao ponto de vista das personagens até ao domínio do contra-picado no final), o recurso a objectivas de grande distância focal conforme nos aproximamos do veredicto de inocente (dando a aparência de que as paredes "se aproximam" dos actores) e uma iluminação simbólica (note-se como a face do reticente jurado n.º 3, irredutível em atribuir a reasonable doubt ao réu mesmo quando todos os outros já o fizeram, está permanentemente obscurecida nas cenas finais) acompanham os sentimentos psicológicos do grupo e influenciam a nossa apreensão da narrativa.

A realização de Sidney Lumet e o inteligente argumento de Reginald Rose recusam preocupar-se na descoberta de quem realmente cometeu o homicídio, nem procura discernir se o jovem hispano-americano é ou não o culpado. 12 HOMENS EM FÚRIA descreve como a percepção lógica dos factos desenterra sempre a verdade mais significativa. E acaba por ser esse o tema do filme: os obstáculos e os meios que um indivíduo pode encontrar para encontrar a verdade, assim como a ausência de paz de espírito quando encaramos a incerteza.

Um clássico absoluto do cinema realista norte-americano, definido pelas personalidades, backgrounds, profissões, preconceitos e tiques emocionais de doze jurados, merecedor de uma audiência muito mais significativa do que as duas dezenas de espectadores que ontem marcaram presença na sala do 9500 Cineclube.

SESSÃO 63

2011-04-18T14:53:00.000Z

::: SESSÃO ESPECIAL: HOMENAGEM A SIDNEY LUMET :::

DOZE HOMENS EM FÚRIA, de Sidney Lumet

Ouvidos os argumentos da acusação e da defesa de um caso de assassinato — um jovem hispano-americano é acusado de matar o pai — o júri reúne-se numa sala para decidir um veredicto. Caso seja culpado, o acusado será condenado à pena capital.

O filme desenvolve-se em volta das dificuldades do júri em se decidir por um veredicto unânime, devido basicamente aos preconceitos de alguns jurados. Na primeira votação onze deles votam “culpado”. Apenas o jurado número oito (Henry Fonda) vota contra, considerando que a prova apresentada pela acusação é meramente circunstancial e que o acusado merece uma deliberação justa. Depois de argumentar, o mesmo jurado propõe nova votação mas agora secreta e em que ele não participa: se voltarem a aparecer os onze votos em “culpado”, então ele concordará com o veredicto. Gradualmente os jurados vão tomando a posição do jurado oito, até que apenas um deles continua a insistir na culpa do acusado. Mas também ele cederá.

Com a apresentação do filme desta noite, o 9500 Cineclube pretende homenagear Sidney Lumet, cineasta, produtor e argumentista, um dos mais prolíficos autores da era moderna, segundo The Encyclopedia of Hollywood, que faleceu há cerca de uma semana.

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar

NO INVERNO HÁ UM ANO — O Dia Seguinte

2011-04-12T14:19:00.001Z

NO INVERNO HÁ UM ANO é mais do que a história de uma família que procura reconciliar-se com uma tragédia ainda fresca na memória de todos os seus membros. A partir do seu argumento, surpreendentemente simples e directo para uma narrativa onde o flashback marca presença e o momento presente das personagens está indelevelmente vincado pelo seu passado, é possível extrair uma significativa mensagem sobre o desejo humano de compreender e extravasar a "capa" que se enverga para lidar com sentimentos de (neste caso em específico) perda, culpa e expiação.

Um ano depois do suicídio de Alexander, um sereno e afável jovem de 19 anos, a sua mãe, Eliane, encomenda a Max, pintor de renome, um quadro que reúna a imagem do adolescente com a sua irmã Lilli. Inicialmente reticente em fazer parte de tão mórbido retrato, criticando o carácter meramente decorativo que se pretende associar à morte do irmão, Lilli desenvolve uma ligação emocional com o artista, homem isolado do resto do mundo mas o único que será capaz de ver para lá da atitude resiliente que ela ostenta teimosamente.

Mas NO INVERNO HÁ UM ANO é o género de filme que se torna mais satisfatório se o espectador pouco ou nada souber acerca dele. Os pormenores — desde a causa da morte de Alexander até aos fantasmas interiores que Max alimenta — são vagarosamente revelados durante o decurso da narrativa, ou seja, a informação é-nos disposta em "camadas". O recurso a esta palavra ganha maior sentido se atentarmos à composição formal empregue por Caroline Link: as variações de contrastes salientados nas sequências registadas em profundidade de campo, o realce de pormenores obtidos através do que está ou não focado e, amiúde, as personagens são filmadas atrás de superfícies espelhadas.

Fica, assim, saliente a vontade de explorar a essência encoberta e o anseio de erguer barreiras muitas vezes inerente à personalidade humana, encerrada (lá está) em camadas. Também a resolução de sentimentos das personagens de NO INVERNO HÁ UM ANO, sem excepção, só se expressa sob a forma de meios não-verbais: no quadro em si, em fotografias, em processadores de texto e, na sequência mais marcante do filme (ao som de Peter Gabriel), através da dança. Caroline Link prova assim que, em Cinema, os argumentos visuais conseguem ser mais importantes que os escritos...

Nota final para o desempenho de Karoline Herfurth (a maioria dos espectadores talvez se recorde dela em O PERFUME — HISTÓRIA DE UM ASSASSINO, de Tom Tykwer) no papel de Lilli. Numa composição de simultânea pujança e fraqueza que tanto provoca perturbação como decepção, não deixamos, nem por um instante, de simpatizar com tão titubeante personagem.

Um profundo e sincero melodrama, ausente de clichés e dificilmente comparável a outros títulos, que merece ser visto.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflete apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 62

2011-04-10T17:26:00.000Z

::: CICLO CINEMA NO FEMININO :::

NO INVERNO HÁ UM ANO, de Caroline Link

Uma arquitecta de interiores encomenda um quadro a Max Hollander, artista de renome, no qual serão pintados os seus dois filhos.

A filha não gosta da ideia, pois o seu irmão, Alexander, cometeu suicídio e para ela um retrato de ambos não teria outro carácter senão decorativo. Desta forma, aquele quadro provocará mudanças em todos os que directa ou indirectamente estão envolvidos com ele.

11 de Abril (Segunda-Feira), pelas 21h30, no Cine Solmar

BERLIM: SINFONIA DE UMA GRANDE CIDADE — O Dia Seguinte

2011-04-05T13:15:00.000Z

Como analisar um filme como BERLIM: SINFONIA DE UMA GRANDE CIDADE oitenta e quatro anos depois da sua produção? Encará-lo como documento histórico, sobre uma Alemanha dividida entre o ressurgimento da crise económica pós-Primeira Guerra Mundial e o advento do Nazismo, é inevitável e quase tentador. Todavia, o intensivo recurso que faz das teorias de montagem soviética (nomeadamente a que Eisenstein chamou de "intelectual") garante-lhe leitura e apelo intemporais.

De difícil categorização (é um documentário pois mostra a realidade, mas não aborda quaisquer assuntos específicos), Ruttman capta um dia do quotidiano berlinense em meados dos anos 20, desde a placidez das cinco da madrugada até à agitação boémia da meia-noite. Durante sessenta minutos, o filme não se centra em nenhum indivíduo, cenário ou panorama particular. Tal como o cineasta afirmou, «a minha ideia era fazer algo a partir das milhares de energias que encerram a vida de uma grande metrópole». Idealizou e cumpriu.

Apesar desta "captação frenética da realidade", a disposição das imagens permite a distinção de um elemento unificador do o filme, tanto a nível técnico como temático. BERLIM: SINFONIA DE UMA GRANDE CIDADE aborda, provavelmente, a dualidade inerente à Humanidade: a juventude e a velhice, a escassez e o luxo, o trabalho e o lazer, o amor e a luxúria, a camaradagem e a inimizade, o nascimento e a morte. Directa ou implicitamente, todas estas peculiaridades são abordadas pela câmara de Ruttman, a qual, ironicamente, filma os seres humanos — com uma ou outra excepção — à distância, de modo fugidio, num grupo uniforme onde ninguém sobressai nem fica registado na memória do espectador ou compara as suas acções aos comportamentos de animais, esses sim, apresentados em notórios grandes planos (um exemplo acabado de montagem intelectual/simbólica).

Pelo contrário, faz-nos atentar à arquitectura, engenharia, sombras e reflexos de Berlim. E "geometria humana" só se manifesta na referida uniformidade de indivíduos...

Merecedor de reconhecimento idêntico ou maior aos normalmente atribuídos a Sergei Eisenstein e (sobretudo) Dziga Vertov, BERLIM: SINFONIA DE UMA GRANDE CIDADE distingue-se pela época em que foi produzido ("ao lado", faziam furor Nosferatus e Metropolis expressionistas) e por, oito décadas depois, ser capaz de suscitar interpretações adequadas à nossa contemporaneidade.

Cinema em estado puro.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflete apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

NOSFERATU — UMA SINFONIA DE HORRORES: O Dia Seguinte

2011-03-29T13:48:00.001Z

Ver NOSFERATU — UMA SINFONIA DE HORRORES é assistir a um filme de vampiros quando esse género nem sequer existia. Pois esta é a história imaculada do Drácula antes de ser enterrada viva em lugares-comuns, paródias, anúncios de televisão, desenhos animados, cartoons e cerca de trinta outros filmes dedicados à personagem. Pois este filme revela-se maravilhado pelo material que adapta... Até parece feito por quem acreditava mesmo na existência de vampiros.

A interpretação de Max Schreck, no papel do vampiro, é exemplo perfeito disso, totalmente liberta dos toques teatrais que contaminariam as performances posteriores de Bela Lugosi, Christopher Lee, Frank Langella ou Gary Oldman. O seu vampiro surge como um ser afligido por uma maldição pavorosa e, fisicamente, quase despojado de qualquer semelhança humana.

Inspirado no romance de Bram Stoker, NOSFERATU — UMA SINFONIA DE HORRORES marca uma das primeiras adaptações daquela figura sanguinária na Sétima Arte (o primeiro registo da sua aparição será, provavelmente, LE MANOIR DU DIABLE, de Méliès) e revelou-se extremamente influente não só nas versões subsequentes de Drácula — o conceito da sua morte através da exposição à luz solar, ausente no livro, foi aqui introduzido pela primeira vez — como em toda a história do filme de terror.

[Para além da versão assinada por Werner Herzog, em 1979, com o título NOSFERATU: PHANTOM DER NACHT, Francis Ford Coppola reaproveitou muita da sua imagética em DRÁCULA DE BRAM STOKER (1992) e originou A SOMBRA DO VAMPIRO (2000), um interessante e (infelizmente?) fictício relato da produção de NOSFERATU, no qual Max Schreck é um vampiro autêntico "recrutado" por Murnau com o intuito de conferir maior veracidade ao seu filme.]

Muito deste legado deve-se à visão de F.W. Murnau. A concepção estética claramente associada ao Expressionismo Alemão, cujos elementos primários estão aqui exibidos (um cenário urbano decadente, a pesada maquilhagem que reforça o chiaroscuro, sombras tão ou mais sinistras que os indivíduos que as formam — já em 1922, muitos defendiam que uma maior exibição da silhueta do Conde Orlock torna-lo-ia ainda mais ameaçador), aumenta o sentido metafórico aqui impresso. De entre as várias interpretações que o filme suscitou, ninguém fica indiferente à abordagem a assuntos que preocupam a Humanidade de todas as eras (doença, loucura, morte) e NOSFERATU — UMA SINFONIA DE HORRORES sugere esses receios no seu próprio estilo visual: a bruma domina, as personagens espreitam ou acobardam-se, e é regra de composição que se cria maior tensão quando um sujeito é filmado fora do centro de um plano.

Será NOSFERATU — UMA SINFONIA DE HORRORES um filme assustador na acepção moderna do termo? Para mim, de maneira nenhuma. Admiro-o mais pela sua atmosfera que, noventa anos depois, ainda possui a mesma capacidade de assombrar o espectador. Não nos mostra vampiros que surgem repentinamente das sombras, mas revela que o mal pode anunciar-se em qualquer molde, seja ele vivo ou morto.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflete apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 59

2011-03-21T01:03:00.000-01:00

::: CICLO CINEMA NO FEMININO :::

CURTAS DE AGNÈS VARDA - PARTE 2

Agnès Varda é uma das mais importantes cineastas da actualidade. Foi a autora de DUAS HORAS DA VIDA DE UMA MULHER (1961), um dos porta-estandartes da Nouvelle Vague, e desde aí vem flutuando livremente entre a ficção e o documentário, entre a curta e a longa-metragem.

Citando Agnès Varda: «Apesar de o seu cinema ter uma marca documental, carácter social e feminista, o seu maior combate no cinema é "fazer sempre algo de novo", sem perder o traço experimental, e transmitir emoções».

Parte II
. AS CURTAS TURÍSTICAS
O Seasons, O Chateaux... (1957) 21’
Pleasure of Love in Iran (1976) 6’
Coasting Along the Coast (1958) 26’

. CINEVARDAPHOTO
Ydessa, the bears and etc... (2004) 43’
Ulysses (1982) 21’
Hi there, Cubanos (1962-63) 28’

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar

OS DOIS DA (NOVA) VAGA — O Dia Seguinte

2011-03-15T21:06:00.000-01:00

Mais didáctico que enciclopédico, OS DOIS DA (NOVA) VAGA constitui uma interessante abordagem à Nouvelle Vague, plenamente capaz de cativar iniciados e veteranos no tema, procurando imergir o espectador numa época social e cultural muito particular.

Como o título indica, o filme centra-se quase exclusivamente nas figuras e percursos de Jean-Luc Godard e François Truffaut, fazendo-o de modo quase exaustivo: dos seus primórdios enquanto críticos apaixonados por um estilo literário de análise fílmica até à sua célere ascensão a favoritos da crítica, a sucessiva permuta de argumentos e projectos, os seus perfis biográficos e, por fim, as razões que originaram a cisão criativa e pessoal dos dois autores. Episódios acompanhados por um apurado recurso a imagens de arquivo, recortes de imprensa (edições da Cahiers du Cinéma em destaque) e os obrigatórios excertos de OS 400 GOLPES ou O ACOSSADO como complementos da informação histórica partilhada.

Lamenta-se, contudo, que Emmanuel Laurent, juntamente com o argumentista Antoine de Baecque, não tenha tocado nas influências recebidas (Claude Chabrol ou Henri Langlois) e transmitidas (Louis Malle, Agnès Varda ou Alain Resnais) por Godard e Truffaut. A crónica da Nouvelle Vague revela-se incompleta em OS DOIS DA (NOVA) VAGA, tornando-o, assim, num título secundário para a compreensão do movimento.

E é impossível não referir o protagonismo conferido a Jean-Pierre Leaud no filme.

De face inconfundível da Nouvelle Vague até à sua utilização como "arma" da disputa artística e ideológica de Godard e Truffaut, pertence-lhe o instante mais delicioso de OS DOIS DA (NOVA) VAGA: as imagens (para mim, desconhecidas) da sua audição para OS 400 GOLPES durante os créditos finais.

E muitos questionam-se sobre a presença aqui conferida a Isild Le Besco, actriz francesa contemporânea. A resposta poderá ser encontrada no célebre axioma enunciado por Jean-Luc Godard: «Para fazer um filme, basta ter uma miúda e uma pistola». Emmanuel Laurent não apresenta qualquer género de arma mas a face de Le Besco, justaposta com as de Jean Seberg e Anna Karina, sugere um saudosismo que nunca fica mal a um documentário. Mesmo que tal seja apontado por outras vozes como "defeito estético"...

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflete apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 57

2011-03-10T11:29:00.000-01:00

::: SESSÃO ESPECIAL :::

OS 2 DA (NOVA) VAGA, de Emmanuel Laurent

Os 2 DA (NOVA) VAGA é a história de uma amizade. Jean-Luc Godard nasceu em 1930, François Truffaut dois anos mais tarde. O amor pelo cinema juntou-os. Escreveram nas mesmas revistas: Cahiers du Cinema e Arts. Quando o mais novo dos dois se tornou realizador com OS 400 GOLPES, que triunfou em Cannes em 1959, ajudou o velho amigo a entrar no mundo da realização, oferecendo-lhe um argumento que inclusivamente já tinha título: O ACOSSADO.

Durante a década de 60 apoiaram-se mutuamente, até 1968 altura em que a história e a política os separa: Godard envolve-se nas políticas revolucionárias e Truffaut continua o seu percurso artístico sem influências do contexto social e político. Entre os dois, estava Jean-Pierre Leaud, como uma criança filha de pais separados e desavindos. A amizade de Godard e Truffaut, bem como o seu afastamento, fazem parte da história do cinema francês.

Recorrendo a imagens de arquivo, a excertos dos filmes dos dois realizadores e folheando recortes de imprensa da época, OS 2 DA (NOVA) VAGA leva-nos de volta a uma década que transformou o mundo.

14 de Março (Segunda-Feira), pelas 21h30, no Cine Solmar

FILME SOCIALISMO — O Dia Seguinte

2011-03-08T21:37:00.000-01:00

Poderíamos deitar o nosso olhar mais subjectivo sobre FILME SOCIALISMO e de lá nada retirar.

Do ponto de vista técnico, não estamos perante nada de revolucionário: já Michael Haneke fez este tipo de experiência audiovisual nos anos 90 (O SÉTIMO CONTINENTE ou 71 FRAGMENTOS DE UMA CRONOLOGIA DO ACASO, só para citar dois exemplos flagrantes) com maior sucesso. A "narrativa", dividida entre a denúncia aos comportamentos de consumo da nossa era e a reflexão sobre o Século XX Europeu, pouco transmite.

A jovem insolente, que surge no segundo segmento do filme, parece personificar o Jean-Luc Godard representado em FILME SOCIALISMO perante os tempos modernos: impregnado duma ideologia suspensa no tempo, anacrónica, sem motivos de existir.

Para além da sua óbvia capacidade de suscitar debate, vale-lhe a indulgência reservada a autores do seu estatuto. Uma atitude que, para mim, chega a ser quase desrespeitosa. Ninguém retira a Godard o importante papel desempenhado em prol dos patamares artístico e teórico alcançados pela Sétima Arte, logo não seria necessário estar-se a formular "cartas de retractação" que o próprio cineasta (se bem o conhecemos...) rejeitaria subscrever.

Não se inventem argumentos para encontrar preciosos achados de semântica em FILME SOCIALISMO, nem se compare este título com a filmografia, antiga ou recente, do realizador. Olhemos para a obra, exibida ontem à noite pelo 9500 Cineclube de Ponta Delgada, tal como ela é: uma longa dissertação de um indivíduo cada vez mais determinado em não comunicar com a sua plateia.

Samuel Andrade.

Nota: este texto reflete apenas a opinião do autor, não representando a visão geral do 9500 Cineclube.

SESSÃO 56

2011-03-04T13:56:00.000-01:00

::: SESSÃO ESPECIAL (ESTREIA) :::

FILME SOCIALISMO, de Jean-Luc Godard

FILME SOCIALISMO é um filme dividido em três momentos: o primeiro ocorre num navio onde se fundem e entrelaçam várias histórias de viajantes de todas as partes do mundo; o segundo retrata o conflito familiar onde os progenitores são postos à prova; finalmente, o momento em que o realizador expõe as suas ideias sobre a Europa e o mundo contemporâneo.

Última longa-metragem de Jean-Luc Godard, estreada no último Festival de Cannes, é um ensaio sobre a Europa e o mundo.

07 de Março (Segunda-Feira), pelas 21h30, no Cine Solmar

SESSÃO 53

2011-02-25T11:28:00.000-01:00

::: 1º ANIVERSÁRIO DO 9500 CINECLUBE :::

THIS LAND IS MINE, de Jean Renoir

Hoje, pelas 21h30, no Cine Solmar

1º ANIVERSÁRIO

2011-02-22T13:35:00.000-01:00

SESSÃO 51

2011-02-13T16:24:00.000-01:00

::: CICLO HISTÓRIA DO CINEMA :::

O COURAÇADO POTEMKIN, de Sergei Eisenstein

Em 1926 a Academia Americana de Artes elegeu-o como "melhor filme do mundo", e em 1958 a Exposição Internacional de Bruxelas considerou-o "melhor filme de todos os tempos e de todos os povos".

Este filme de Sergei Eisenstein é tido, unanimemente, como um dos melhores de sempre da História do Cinema e uma obra (praticamente) insuperável: pela sofisticação formal, pelo prodigioso exercício de estilo, pela montagem inovadora, pela estética de ruptura, pela sublime plasticidade das imagens.

Amanhã, pelas 21h30, no Cine Solmar.

SESSÃO 50

2011-02-04T22:31:00.000-01:00

::: CICLO ARTES PLÁSTICAS :::

A CORAGEM DE LASSIE, de Francisca Manuel

A CORAGEM DE LASSIE é um filme sobre Ana Jotta ou sobre o seu trabalho? Talvez seja sobre uma espécie de superfície (cujo equivalente material, no filme, é o ecrã que a imagem cinematográfica supõe) onde as duas coisas se entrelaçam suavemente. O filme não quer «aprofundar» muito, não quer «ver muito», seja do atelier, seja da casa, seja da própria Ana Jotta. Há uma distância, e, por seu intermédio, tudo desliza em ambas as superfícies, como um ritornello de Ana Jotta. São estes os efeitos mais sensíveis e onde é inscrita a ética da distância deste filme.

Edmundo Cordeiro
Amândio Coroado
(in "folha de sala" da Cinemateca Portuguesa, 2009)

07 de Fevereiro (Segunda-Feira), pelas 21h30, no Cine Solmar

SESSÃO 49

2011-01-28T19:00:00.000-01:00

::: CICLO HISTÓRIA DO CINEMA :::

O GABINETE DO DR. CALIGARI, de Robert Wiene

Marco do cinema expressionista alemão, o filme O GABINETE DO DR. CALIGARI impressiona pela sua estética inovadora, os seus cenários de ruas tortas e sinuosas e a sua atmosfera macabra impregnada de mistério.

Lançado na Alemanha em 1920, ganhou fama internacional e tornou-se um clássico. Hoje, é considerado um dos melhores produtos da cultura cinematográfica do século XX.

A acção principal de O GABINETE DO DR. CALIGARI tem a sua génese no relato do herói Francis sobre as aventuras do Dr. Caligari, um vigarista soturno que dirige um manicómio, e do seu escravo, um estranho morto-vivo. Neste filme, Caligari acaba por enlouquecer, invertendo-se na lógica maniqueísta: torna-se bom e chega a ajudar o herói do filme. Este filme foi o mote para o expressionismo alemão, de onde nos chegaram outras obras sinistras como NOSFERATU, O VAMPIRO (1922), a primeira adaptação do romance Drácula, de Bram Stoker. (in My One Thousand Movies)

31 de Janeiro (Segunda-Feira), pelas 21h30, no Cine Solmar

2011-01-27T23:15:00.002-01:00

OS NOVOS FORMATOS

Numa altura em que projectar cinema no seu formato original de 35mm, quando é esse o formato original, custa ao 9500 Cineclube, de Ponta Delgada, qualquer coisa como €340 por sessão quando as receitas médias da bilheteira não ultrapassam €100 por sessão, é forçoso encarar com seriedade e abertura as possibilidades que as novas técnologias oferecem em suportes digitais que hoje permitem projectar cinema numa qualidade muito próxima da original. Já para não referir que, hoje, muitos filmes são já produzidos em formato original digital e será esse, naturalmente, o formato indicado para os projectar.

Assim, foi com regozijo e, simultaneamente, pena que tivemos conhecimento de que a Cinemateca Portuguesa e a Federação Portuguesa de Cineclubes estavam a organizar para sábado passado um encontro justamente para discutir este tema. Regozijo, pois esta iniciativa terá sido o pontapé de saída para uma discussão alargada que importa, e muito, fazer e estes, a Cinemateca e os cineclubes, serão alguns dos interlocutores mais relevantes neste processo. Pena, pois tendo sido o Cineclube da Horta escolhido para representar a região dos Açores e não dispondo de recursos próprios para a deslocação à capital, não pudemos participar neste debate que nos parece da maior relevância.

Tivemos, no entanto, ecos e ficámos a saber que existe ainda um longo percurso a fazer até que haja uma verdadeira e completa compreensão da realidade e de todas as potencialidades que estão em jogo. Enfim, como dissemos, tratava-se do pontapé de saída!

Não tencionamos, de modo nenhum, abandonar as sessões com projecção em película! Essa será sempre a melhor forma de passar um filme originalmente produzido em película. E por isso mesmo estamos presentemente a investir na formação de um dos nossos projeccionistas com um estágio de três semanas nas secções de Identificação e Cabine da Cinemateca Portuguesa. Este é um investimento virado para o futuro pois contamos projectar ainda muitos e bons filmes.

Mas para nós, 9500 Cineclube, no entanto, é hoje claríssimo que é fundamental, não diria já para a nossa sobrevivência, essa não creio que esteja em perigo, mas antes para o nosso desenvolvimento, para que possamos oferecer aos sócios e demais interessados uma programação cada vez melhor, mais frequente e em melhores condições, a instalação na nossa sala do Cine Solmar de um projector digital de qualidade profissional.

É verdade que já fizemos projecções em suporte digital no passado. E, em regra, correram bem. Mas tal tem obrigado a uma ginástica complicada, desgastante e arriscada pois tem sido feito com base em generosas cedências que implicam montagens e desmontagens frequentes, muitas vezes sem o tempo imprescindível para testar tudo da forma recomendável.

Será esse, portanto, o próximo grande desafio do cineclube, a par com as comemorações do 1º aniversário que se avizinham com um extraordinário e ambicioso programa, a instalação de um projector digital profissional na nossa sala!

João da Ponte

2011-01-19T22:34:00.003-01:00

SESSÃO 48

2011-01-19T17:13:00.001-01:00

::: CICLO CINEMA NO FEMININO :::

ENTARDECER, de Angela Schanelec

As personagens principais de A Gaivota, de Chekhov, reúnem-se durante três bucólicos e terríveis entardeceres de Verão.

Irene, actriz de teatro, vai para a sua casa no lago nas proximidades de Berlim, onde residem o seu irmão mais velho, Alex, juntamente com o filho Konstantin. Verão, Sol, lago — aparentemente um cenário idílico, mas as personagens estão escondidas em si mesmas. Uma atmosfera de cansaço, tristeza e amor perdido paira sobre as cenas quotidianas...

24 de Janeiro (Segunda-Feira), pelas 21h30, no Cine Solmar

SESSÃO 47

2011-01-13T17:58:00.000-01:00

::: CICLO HISTÓRIA DO CINEMA :::

O HOMEM DA CÂMARA DE FILMAR, de Dziga Vertov

Um dos filmes mais extraordinários da História do Cinema, pioneiro na utilização de todas as técnicas cinematográficas disponíveis na época.

Mostrando um homem com uma câmara de filmar pelas ruas de Moscovo, gravando um dia daquela cidade, não existe um guião ou uma história a seguir. Não existem, sequer, personagens. O operador de câmara que acompanhamos ao longo do filme acaba por ganhar inevitável destaque, função que ficou a cargo do irmão de Vertov, Mikhail Kaufman.

O que interessa sempre é a palpitação dos dias e das gentes que os compõem e abrilhantam. A vida.

Segunda-Feira (17 de Janeiro), pelas 21h30, no Cine Solmar.

2011-01-07T23:08:00.003-01:00

PINTO QUADROS POR LETRAS - JOÃO VIERA

10 JANEIRO > 21H30 > CINE SOLMAR

SESSÃO 46

2011-01-05T14:45:00.001-01:00

::: CICLO ARTES PLÁSTICAS :::

PINTO QUADROS POR LETRAS - JOÃO VIEIRA, de Gabriela Cerqueira

A transversalidade de interesses de João Vieira levam-no, plasticamente, da história da arte às culturas populares de raiz pagã, como é o caso da obra desenvolvida em torno dos caretos de Trás-os-Montes, e o seu gosto da experimentação, apoiada em aturada investigação teórica e prática (nomeadamente de materiais) e numa vasta cultura literária permite-lhe uma diversidade de experiências plásticas e culturais que integram, desde cedo, a performance (sendo pioneiro em Portugal, iniciando esta prática em 1970) e a instalação.

Segunda-Feira (10 de Janeiro), pelas 21h30, no Cine Solmar

SESSÃO 45

2010-12-30T19:48:00.000-01:00

::: CICLO HISTÓRIA DO CINEMA :::

M — MATOU, de Fritz Lang

Um serial killer assusta a cidade alemã de Dusseldorf matando crianças indefesas. Escapa da polícia, mas não das mãos de organizações criminosas pertencentes ao submundo local.

O actor Peter Lorre, com um desempenho excepcional, celebrizou-se por este papel. É o primeiro filme falado do director alemão Fritz Lang, que dois anos depois se mudaria para os Estados Unidos.

Segunda-Feira, pelas 21h30, no Cine Solmar

SESSÃO 44

2010-12-26T23:19:00.001-01:00

:::CICLO NOVO CINEMA HOLANDÊS:::

CURTAS METRAGENS 3

. GAANDEWEG

Realização e argumento: Margot Schaap
Duração: 23 minutos

A vontade de Sophie está repartida entre a necessidade de partir para estudar e a vontade de ficar no seio da família.

. RIF

Realização: Eric Steegstra
Produção: John Croezen Cartoon
Duração: 12 minutos

Dois homens-rã mergulham num mundo fabuloso repleto de criaturas translúcidas e de
surpresas multicolores.

. NOTEBOEK

Realização e produção: Evelien Lohbeck
Duração: 12 minutos

Curta-metragem experimental que joga com ilusões e realidade.

. THE PHANTOM OF THE CINEMA

Realização, argumento e animação: Erik van Schaaik
Duração: 11 minutos

Esta curta-metragem de animação proporciona ao público um olhar indiscreto por detrás do ecrã. Subitamente, a fita parte-se deixando-nos ver o que se passa nos bastidores onde tudo corre mal...

. JOLANDA 23

Realização, argumento e montagem: Pim Zwier
Duração: 10 minutos

Curta-metragem que observa o acto de fotografar uma vaca. A acção pretende atingir o ideal de beleza.

--//--

Amanhã, pelas 21h30, no Cine Solmar. Entrada gratuita

BOAS FESTAS!

2010-12-24T14:34:00.003-01:00

SESSÃO 43

2010-12-19T17:04:00.000-01:00

::: CICLO CINEMA NO FEMININO :::

A TETA ASSUSTADA, de Claudia Llosa

Fausta sofre de uma doença que se transmite através do leite materno de mulheres que foram violadas durante a guerra civil no Perú. A guerra acabou mas Fausta continua doente, uma doença provocada pelo medo que lhe rouba a alma. Mas, agora, a morte súbita da mãe obriga-a a confrontar-se com os seus medos e os seus segredos: os truques que utiliza para se proteger de uma possível violação. Esta é a história do seu renascimento, uma longa viagem do medo para a liberdade.

Amanhã, pelas 21h30, no Cine Solmar

SESSÃO 42

2010-12-15T10:04:00.000-01:00

:::CICLO NOVO CINEMA HOLANDÊS:::

CURTAS METRAGENS 2

. NASHI

Realizador: Daya Cahen
Produção: Danila Cahen e Daya Cahen
Duração: 26 minutos

No acampamento de Verão do movimento de juventude de Putin, 10,000 jovens russos são treinados para fazer da Rússia o líder global do século XXI.

. IMPASSE

Realização: Bram Schouw
Produção: Jeroen van den Idsert Yani
Duração: 5 minutos

Sem palavras, somos levados a considerar se o amor e a atracção são capazes de vencer a intolerância humana.

. SABLE (ZAND)

Realização: Joost Van Ginkel
Produção: Helen Zwaan e Joost van Giinke
Duração: 21 minutos

Um pai camionista separado da sua filha... Uma história de amor irresistível, da sensação da areia e do lento naufrágio.

. WHIPLASHED

Realização e argumento: Arnoud Rijken
Produção: Michiel Snijders
Duração: 6 minutos

Após um acidente de carro em que a namorada morre, um homem perde a memória. Através de violentos flashbacks de memória ele descobre que afinal não é vítima do acidente, mas que está envolvido num assassinato. E ele sabe porquê.

. SUCCESS

Realização e argumento: Diederick Ebbinge
Duração: 8 minutos

Uma tragicomédia absurda sobre um homem que atinge o sucesso pessoal no dia da sua morte.

--//--

Sábado, pelas 18h, no Cine Solmar. Entrada gratuita

2010-12-11T12:31:00.002-01:00

SESSÃO 41

2010-12-09T10:40:00.001-01:00

:::CICLO NOVO CINEMA HOLANDÊS:::

CURTAS METRAGENS 1

. ABOUT A FISH REVOLUTION

Realizador: Margien Rogaar
Argumento: Jackeline Epskamp
Duração: 11 minutos

Curta-metragem acerca de pesca, casamento e xenofobia. Dois mundos separados reúnem-se no local de pesca de Gerard. O seu casamento perdeu o encanto, já não convive com os amigos e os peixes que apanha são pequenos demais.

. BIG BUCK BUNNY

Realização e argumento: Sascha Goedegebure
Duração: 10 minutos

Big Buck acorda e sai da sua toca e é importunado por três arruaceiros, Gimera, Frank e Rinky. Quando Gimera mata uma borboleta, Buck decide vingar-se.

. ACTIVITY CENTRE

Realização: Michael van Djik e Sjeng Schupp
Duração: 5 minutos

Horror na sala de estar.
Tudo parece estar normal, mas aos poucos as coisas estão ficando fora de controlo.

. DEN HELDER

Realização: Jorien van Nes
Argumento: Maartje Pompe van Meerdervoort
Duração: 38 minutos

Den Helder é uma cidade vulgar no norte da Holanda. Ali, assistimos à reunião fugaz de dois irmãos, Maarten, que se alistou como fuzileiro e seguirá em breve para uma missão no Líbano, e Emiel, recém-saído da prisão. Durante o pouco tempo em que estão juntos, os irmãos confrontam-se, descobrem-se, conhecem-se.

--//--

Sábado, pelas 18h, no Cine Solmar. Entrada gratuita

The closet scene...

2010-12-07T10:56:00.000-01:00

[...ou os efeitos permanentes que um tremendo clássico provocam.]

Durante aproximadamente 90 minutos, um pequeno grupo de cinéfilos de Ponta Delgada assistiu, ontem à noite, à exibição de O LÍRIO QUEBRADO, uma das obras seminais da influente carreira de David Wark Griffith.

Para além da observação dos avanços técnicos de Griffith para aquilo que hoje em dia conhecemos como "gramática do Cinema" (nomeadamente, os primeiros usos de grandes planos, travellings e flashbacks), O LÍRIO QUEBRADO possui a fabulosa interpretação de Lillian Gish — a primeira grande actriz da Sétima Arte? — que, quase 100 anos depois, não perdeu nenhuma da sua intensidade emocional.

Este facto é consubstanciado na famosa "cena do armário". Aqui, Gish representa o horror de uma rapariga (Lucy) que se contorce num espaço claustrofóbico, qual animal torturado consciente de que não existe fuga possível.

Tão ou mais interessante quanto a sequência em si, são as histórias em torno da sua rodagem. Sobre a mesma, Richard Schickel recordou:

«É desoladora e, ao mesmo tempo, avassalada pelo talento da actriz. Aparentemente, a sua histeria foi exacerbada pelos insultos que Griffith lhe lançou antes de pôr a câmara a rodar. Gish, por seu lado, afirma que os movimentos da criança torturada foram improvisados no momento e que, quando terminou a cena, toda a gente no estúdio ficou em silêncio, apenas quebrado pela exclamação de Griffith: "Meu Deus! Por que não me avistaste que ias fazer isso?!» (em D.W. Griffith: an American Film Life)

Só podemos agradecer aos "deuses" do Cinema que O LÍRIO QUEBRADO seja um filme mudo. Pois os gritos que Gish vociferou durante a filmagem da "cena do armário" atraíram dezenas de transeuntes fora do estúdio, convencidos de que alguém estava mesmo em perigo, forçando os funcionários da United Artists ao trabalho de impedirem que fosse invadido por aterrados curiosos.

São pormenores destes que originam filmes únicos, os quais, hoje em dia, só conseguem ser devidamente apreciados em ambientes cineclubistas. E o presente ciclo História do Cinema promete mais momentos assim...

Samuel Andrade

Sobre O LÍRIO QUEBRADO

2010-12-05T23:39:00.001-01:00

«A reputação de que goza D.W. Griffith nos meios académicos, apesar de ligeiramente exagerada, é contudo, isenta de contestação. Não fossem as suas contribuições, o cinema americano, e talvez mesmo o cinema mundial seriam diferentes.

O NASCIMENTO DE UMA NAÇÃO e INTOLERÂNCIA são merecidamente os seus filmes de maior renome, eternizados em virtude das manipulações extraordinárias da história de da montagem. No entanto, outra das suas obras, O LÍRIO QUEBRADO, destaca-se por entre os seus trabalhos, e é sem dúvida, a mais bela das suas películas. Esta terna e trágica história de amor e sofrimento traz o romance místico entre uma jovem abandonada nos bairros de Londres e um jovem chinês que viaja por Inglaterra espalhando a filosofia oriental.

Este é o filme mais sério, poético e dramático de Griffith, adaptado do livro 'Limehouse Nights', de Thomas Burke. Lillian Gish tem uma grande interpretação, como a jovem de quinze anos de idade, assustada com a sua vida miserável. Este filme foi rodado em apenas três semanas e, apesar do orçamento modesto, foi um grande sucesso de crítica e público. De certo modo este filme fez com que a crítica não considerasse tanto a imagem de racista que ficou impregnada em D. W. Griffith.»

My One Thousand Movies

SESSÃO 40

2010-12-02T15:05:00.000-01:00

::: CICLO HISTÓRIA DO CINEMA :::

O LÍRIO QUEBRADO, de D.W. Griffith

O mais famoso filme de D.W. Griffith ao lado de O NASCIMENTO DE UMA NAÇÃO (1915) e INTOLERÂNCIA (1916).

Trocando a dimensão épica e espectacular dos primeiros por um lirismo exacerbado, O LÍRIO QUEBRADO, à época considerado "a primeira genuína tragédia do Cinema" (Photoplay), tem uma rara intensidade emocional, sublinhada por uma atmosfera visual que fez história. Foi a primeira experiência para cinema do fotógrafo Hendrik Sartov, responsável pelos planos de imagens difusas que tornaram célebre a fotografia do filme.

Três interpretações inesquecíveis: Lillian Gish, Richard Barthelmess e Donald Crisp.

SESSÃO 39

2010-12-01T19:33:00.001-01:00

:::CICLO NOVO CINEMA HOLANDÊS:::

ZOO RANGERS IN SOUTH AMERICA, de Johan Nijenhuis

Quando é dada aos Zoo Rangers a missão de encontrar, na América do Sul, uma borboleta extremamente rara, estes dividem-se em dois grupos. Enquanto um vai ao encontro dos membros da expedição que primeiro descobriu as borboletas, o outro avança para a floresta tropical em busca dos espécimes. Ambos os grupos se deparam com perigos e aventuras – crocodilos, tarântulas, uma competição de tango, um macaco apaixonado, uma manada em fuga, uma turma de crianças brasileiras…

Os Zoo Rangers acabam por descobrir as verdadeiras e criminosas intenções da cliente que contratou os seus serviços, intenções que podem levar à completa destruição da floresta tropical.

Sábado, pelas 18h, no Cine Solmar.

SESSÃO 38

2010-11-23T10:49:00.000-01:00

:::CICLO NOVO CINEMA HOLANDÊS:::

LOVE IS ALL, de Joram Lürsen

O amor é como o Pai Natal: é preciso acreditar que ele existe, caso contrário não funciona.

Após a infidelidade do marido com a professora do seu filho, Klaasje apaixona-se por um Don Juan adolescente. A sua melhor amiga, Simone, parece viver um matrimónio feliz, mas a sua incansável busca pela perfeição está a produzir efeitos menos positivos no seu casamento. Kiki também está apaixonada, e alimenta um romance com Valentijn, o príncipe mais elegível da família real holandesa. Kees, um agente funerário, e Victor, um salva-vidas, estão apaixonados. Planeiam casar-se em breve, mas agora Kees começa a pensar duas vezes...

Sábado, pelas 18h, no Cine Solmar.

SESSÃO 33

2010-10-31T22:29:00.000-01:00

SESSÕES 31 E 34

2010-10-20T17:11:00.001Z

NOVO CINEMA HOLANDÊS

2010-10-20T17:08:00.001Z

Sinal de Alerta, um filme para amar

2010-10-13T13:22:00.000Z

Passados cerca de nove meses desde o início das actividades deste cineclube, acabo de eleger os três melhores filmes que por aqui já passaram( na minha perspectiva muito particular já que houve alguns que não vi) O primeiro foi "As praias de Agnés" de Agnés Varda, o segundo "Persepólis" de Marjane Satrapi e finalmente o terceiro que vi na passada segunda feira, "Sinal de Alerta" de Andrea Arnold. É engraçado e só agora acabei de me aperceber disso, que pertençam todos ao ciclo de mulheres realizadoras. Mas é sobre este último que me quero debruçar em poucas palavras embora o Samuel Andrade já tenha dito o que era preciso dizer. Em primeiro lugar a tensão que percorre todo o filme e que mantém o espectador preso à cadeira e ao ecrã. Ao mesmo tempo fá-lo vibrar e sentir-se desconfortável (eu nao consegui ficar quieto na minha cadeira). Depois o crescendo até o desfecho de que só gradualmente nos aproximamos.

A própria história é extremamente bem contada, equilibrada, sem nada a mais nem a menos. E finalmente o desempenho dos actores, principalmente os dois protagonistas, os actores escoceses Kate Dikie e Tony Curran que são inexcedíveis. Há ainda um outro factor que é a paisagem urbana da periferia de Glasgow, sobretudo os edificios gigantescos da Red Road(nome original do filme) que desempenham um papel crucial, bem como a parede de ecrãs de vigilância , o local de trabalho de Jackie . Grande filme.

Mário Roberto

SINAL DE ALERTA (2006), de Andrea Arnold

2010-10-12T09:38:00.000Z

Manipulador e inquietante, SINAL DE ALERTA explora duas linhas narrativas que se revelam, simultaneamente, autónomas e interactivas: o descontrolo emocional da sua protagonista, Jackie (Kate Dickie, que nos faz lembrar uma jovem Helen Mirren), e a peculiar análise às consequências da segurança urbana na presente era digital, marcada pela omnipresente tecnologia que acompanha, na sua quase totalidade, o nosso paradeiro quotidiano.

O mérito desse feito vai, indiscutivelmente, para a realizadora Andrea Arnold. Esta sua primeira longa-metragem coloca o espectador numa zona de desconforto logo a partir dos primeiros minutos, situando-o numa sala iluminada pelas imagens provenientes dos monitores de vigilância que Jackie controla, destacando câmara após câmara num ecrã principal, tentando vislumbrar actividades suspeitas num cenário aparentemente interminável — a saber, um desolador bairro social de Glasgow, cuja arquitectura consegue ser, por si só, personagem em SINAL DE ALERTA.

Alternando os vários pontos de vista que se lhe deparam, Jackie deixa-se cativar e entreter por histórias da vida real, como o homem que passeia uma cadela debilitada fisicamente ou o entusiástico talento para a dança de uma empregada de limpeza. Contudo, a segurança urbana é a sua prioridade e, um dia, observa, com apreensão, a perseguição movida por um homem a uma mulher num beco mal iluminado. «Falso alarme», informa ela a um segurança, quando percebe que o casal apenas procura local recôndito para um fortuito encontro sexual.

Subitamente (num brilhante momento de horror voyeurístico que invejaria Brian De Palma), Jackie agarra o joystick da câmara de vigilância e efectua zoom sobre o homem (Tony Curran, num registo imprevisível) que veste as calças. Através daquela "janela" digital, vislumbra-se um rosto que ela aparenta reconhecer. Um rosto pelo qual ficará obcecada e devastada. Rapidamente, começa a vigiar este indivíduo, percebendo a sua rotina diária e memorizando as suas acções. Não tarda que da mera perseguição vídeo, ela inicie a interacção com este desconhecido que está relacionado com algum episódio amargo do passado de Jackie e, para o espectador, a compreensão deste estranho comportamento.

A princípio, SINAL DE ALERTA parece ser uma obra sobre a natureza de quem observa, impunemente, a vida de quem não sabe estar a ser observado. Andrea Arnold, pouco interessada em espicaçar opiniões sobre a crescente ausência de privacidade nas sociedades modernas, constrói um thriller suportado numa contida e minimalista (adjectivos que também descrevem a natureza técnica do filme) descoberta das motivações de Jackie, e não em cansativas sequências de acção vertiginosa ou sustos gratuitos. A nossa pressão arterial aumenta com a representação do conflito quase impassivo entre as duas personagens — que culmina numa sequência de forte carga sexual extraordinariamente perturbadora e ambígua. Ou na forma como a cineasta nos transforma no mesmo tipo de voyeur que Jackie é durante grande parte do filme, aumentando o nosso já referido desconforto através de um "vocabulário" cinematográfico constituído por monitores desfocados, fotografia agressiva e trabalho de câmara "irrequieto".

Pouco dependente de diálogos e, a certa altura, ameaçando perder-se em demasiados sub-plots, a narrativa de SINAL DE ALERTA acaba por se revelar admiravelmente coesa. Tudo se conjuga no final, em grande parte pelo desempenho de Kate Dickie — é incompreensível que não possua uma carreira mais notória — numa fascinante demonstração de força e mágoa.

Samuel Andrade

SESSÃO 29 > 11 OUT

2010-09-29T15:23:00.001Z

SESSÃO 28 > 9 OUT

2010-09-29T13:27:00.000Z

PRÓXIMA SESSÃO > 4 OUT

2010-09-14T12:08:00.001Z

SESSÃO 26 > 13 SETEMBRO | 21H30

2010-09-08T12:53:00.000Z

SESSÃO 25

2010-08-27T13:43:00.000Z

Na próxima sessão iniciamos um novo ciclo, desta vez, dedicado ao documentário sobre artes plásticas.
Neste ciclo serão apresentadas documentários sobre ANTÓNIO PALOLO, MÁRIO ELÓI, EDUARDO BATARDA, JULIÃO SARMENTO, FERNANDO LANHAS, FERNANDO CALHAU, JOÃO PENALVA, JOSÉ PEDRO CROFT, ANA HATHERLY, ANTÓNIO SENA, PEDRO CABRITA REIS, JOSÉ GUIMARÃES, JOÃO LOURO, HELENA ALMEIDA, JOANA VASCONCELOS, JOSÉ PEDRO CROFT, MICHAEL BIBERSTEIN e ANA JOTTA entre muitos outros.

Contamos com a vossa presença.

PRÓXIMA SESSÃO > 16 AGOSTO

2010-08-10T17:24:00.000Z

O 9500 na página 4 do FAZENDO #44

2010-08-05T16:53:00.000Z

PROGRAMAÇÃO > AGOSTO

2010-07-27T14:51:00.000Z

Em Agosto o 9500 Cineclube iniciará dois novos ciclos.

O primeiro, denominado “Saudades da Terra”, a lançar já no próximo dia 2 de Agosto com o filme Adeus Pai, de Luís Filipe Rocha, será dedicado aos filmes produzidos ou rodados nos Açores.

30 de Agosto marcará o arranque de um extenso ciclo dedicado às Artes Plásticas com a exibição de Pelas Sombras de Catarina Mourão, um documentário sobre a obra de Lourdes Castro.

2 de Agosto
Cine Solmar > 21h30

CICLO SAUDADES DA TERRA

ADEUS PAI
Realizador: Luís Filipe Rocha
Género: Drama
Ano: 1996
Com: José Afonso Pimentel, João Lagarto, Laura Soveral

SINOPSE:

Não é só para Filipe – que, aos 13 anos, consegue realizar o sonho de conhecer melhor o pai, Manuel, numa fantástica viagem aos Açores. É também para a dona da pensão, às voltas com o retrato do pai, de quem não se lembra, omnipresente na parede da sala; e para os novos amigos do adolescente, que vão cruzar o oceano em busca do progenitor. Cada personagem de “Adeus, Pai” tem o seu próprio pai por resolver. E Filipe nem sequer é dos que se safam pior.
A surpresa de ver o pai chegar-lhe à cama, dizendo que vão de férias juntos – pela primeira vez na vida; a primeira desilusão quando, à chegada, o pai compra um monte de jornais; as confissões e intimidades; as
brincadeiras e disparates de ambos no cenário onírico dos Açores.
Mas se tudo isto é um sonho tornado realidade para o rapaz de Lisboa, às vezes a realidade prega-nos partidas que se evitam sonhando.

16 de Agosto
Cine Solmar > 21h30

CICLO CINEMA NO FEMININO

EU, TU E TODOS OS QUE CONHECEMOS
Realizador: Miranda July
Género: Comédia Dramática
Ano: 2005
Com: John Hawkes, Miranda July, Miles Thompson

SINOPSE:

Christine Jesperson é uma artista solitária que usa as suas visões artísticas fantásticas para atrair as suas aspirações e os seus objectos de desejo para mais perto de si. Richard Swersey (John Hawkes), um recém-divorciado e pai de dois rapazes, está preparado para acontecerem coisas extraordinárias. Mas quando conhece a cativante Christine, entra em pânico. A vida não é tão clara para Robby, o filho de 7 anos de Richard, que está a viver um romance na internet com uma estranha e o seu irmão de 14 anos, Peter, que se transforma na cobaia das raparigas da vizinhança que com ele praticam para os seus futuros romances e casamentos. Todos procuram laços através de caminhos difíceis e encontram redenção em pequenos momentos que os ligam a alguém na terra.

30 de Agosto
Cine Solmar > 21h30

CICLO ARTES PLÁSTICAS

PELAS SOMBRAS
Realizador: Catarina Mourão
Argumento: Catarina Mourão, Lourdes Castro
Género: Documentário
Ano: 2010

SINOPSE:

Um filme que nos faz mergulhar no universo de Lourdes Castro, mostrando-a no seu quotidiano, na casa que construiu com Manuel Zimbro (falecido em 2003) na Madeira.
"Vem ver a pintura que estou a fazer. Um bocado grande, não cabe em museu nenhum. E tão pequena, tão pequenina que todos que passam por aqui nem dão por isso. Uma tela com forma esquisita. O que vale é que não é preciso esticá-la. Por si só, ela está sempre pronta a receber pinceladas, ventos, estações, chuva, sol....".
PELAS SOMBRAS ultrapassa largamente o formato de "documentário sobre artista" para ser um belíssimo e cúmplice retrato de uma das mais singulares artistas portuguesas.

PROGRAMAÇÃO SUJEITA A ALTERAÇÕES

PRÓXIMA SESSÃO | 2 AGOSTO > 21.30H

2010-07-25T00:12:00.001Z

2010-07-20T12:32:00.000Z

“Bright Star”
Impressões de viagem

O amor entre o poeta John Keats e a sua vizinha Fanny Browne foi tratado por Jane Campion em Bright Star, com pudor. Com reverência respeitosa, talvez. Não é um filme extraordinário, mas um bom filme. Campion apropria-se da época vitoriana no countryside inglês, sem grandes alaridos na reconstituição de época, mas a olho nu privilegia uma cuidada e fidedigna recriação de ambiências, levando o espectador a vivenciar aquela época de forma intensa, servida por fotografia e enquadramentos que roçavam a perfeição e talvez por isso se aproximavam perigosamente da pieguice sem nunca lhe tocar.
É um filme intimista, construido com segurança e servido por boas interpretações de actores, pelo menos para mim, desconhecidos, que deixou uma impressão favorável na maioria dos presentes. Mais do que um biopic é uma reflexão sobre o amor e de como a sociedade pode glorificá-lo ou destruí-lo.

Mário Roberto

2010-07-15T12:20:00.001Z

Indispensável a qualquer cinéfilo

2010-07-15T11:44:00.000Z

A visita da Renata from ARTilharia TV on Vimeo.

Mais um momento histórico do 9500 Cineclube. Embora nos corpos directivos deste cineclube constem os nomes de três mulheres, a verdade é que nenhuma delas compareceu a qualquer reunião. Na última tivemos porém o grato prazer de recebermos a visita de Renata Correia Botelho, poetisa, psicóloga e cinéfila, sócia fundadora desta colectividade, a qual, na sequência duma proposta sua , por escrito, em relação ao modelo de programação vigente, convidamos a apresentar e discutir ao vivo e a cores, a sua sugestão. Aqui ficam algumas imagens da reunião.

SESSÃO ESPECIALÍSSIMA > 16 JULHO

2010-07-15T00:23:00.000Z

CHAPLIN vs KEATON

6 ROUNDS (3 para cada lado)
91 minutos

Moderação: Mário Roberto

*
PÓPULO CAFÉ
Praia do Pópulo

20.30h > 23.30h

PRÓXIMA SESSÃO > 19 JULHO

2010-07-15T00:11:00.000Z